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The Reinvention of Dreams
No discussion of the fashion industry is complete without considering the key role played in it by photography - the medium that
more than any other has helped make fashion a global phenomenon. Fashion and its photographic representation has
always been subject to a constant push and pull of contrary forces, its pendulum swinging from one era to the next
between a series of opposing poles: conformism and differentiation, reality and fantasy, escapism and social commentary,
tradition and innovation. Recently, however, tensions on the reality-fantasy axis have gone off the scale, becoming
seemingly irreconcilable. The dispute is essentially one of remit: does fashion photography still have a license to produce
idealized fantasies or should its role be to reflect raw, unvarnished reality? These tensions have been in evidence in a number
of recent news stories. Consider, variously, the reaction to the Vogue cover of Kamala Harris wearing Converse shoes (and the
accompanying demands for a more appropriate image of America’s first female VP); the criticism of Italian director Matteo
Garrone’s short film, Le Mythe Dior (inspired by mythology and classical art history), not for its decadent luxury aesthetic within
the context of a pandemic but for its lack of casting diversity; the popularity of the opulent alternative past depicted in Bridgerton;
and criticism of the media’s overuse of Photoshop by a generation that has readily embraced face-altering digital apps and
plastic surgery. In all of these stories, the question that unavoidably arises is - can truth and fantasy coexist?

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Sunday with Gisele, Vogue Italia February 2018, photo by Jamie Hawkesworth

More specifically, is the objective of producing truthful, socially-conscious representations of reality compatible with a
recourse to dream or fantasy elements? And, if we accept that tensions, ambiguities and paradoxes remain fundamental
elements of fashion photography, how can those tensions between dream and reality be resolved? Back in 1984, fashion
photographer Irving Penn described his job at Vogue as “selling dreams, not clothes” (today, we would no doubt ask him
exactly whose dreams he was selling and to whom). Although Yves Saint Laurent’s 1968 cry of “Down with the Ritz, long
live the street!” predated Penn’s remark, the “street” really only found its way into fashion photography in the 1990s, when the
raw documentary-style aesthetic began to take off. Even then, though, it was a mediated reality on offer, an illusion: the canons
of beauty remained narrow and the clothes inaccessible. Non-Western imagery served only as a prop, while elements of
counterculture were exploited for their shock value. More often than not, it was precisely this frequent recourse to jarring
recontextualizations of realities distant from fashion that made the images interesting, controversial and innovative. Fast-
forwarding now to the present day, social media, as well as allowing artists to bypass traditional industry “gatekeepers”, has
ushered in a completely different way of representing reality and of producing and thinking about images. The
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approach is an experiential, emotive one, in which aesthetics are less important than raw communicative power
(witness the often deliberately unpolished imagery coming out of new social media platforms such as TikTok and Twitch). With
this has come a different way of consuming fashion. Unlike their counterparts of days gone by, whose natural habitats were the
glossy magazine and the walls of that most democratic of gallery spaces, the teenage bedroom, today’s fashion images are
designed to “go viral” within a fragmented public online space of niches that only partially overlap with each other.
Meanwhile, as fashion’s importance as a tool for constructing identities has grown, the medium used to capture it,
photography, has acquired a series of ethical and moral dimensions, in which gray areas and paradoxes are seen as potential
threats. Accordingly, the aspirational, escapist and fantastical side of fashion photography is increasingly being
shunned in favour of a tendency to reproduce reality on a 1:1 scale (recalling the map in the Jorge Luis Borges short story
that grows ever more detailed until it finally incorporates reality itself). Rather than reinventing reality, the aim is now simply
to show it. The new watchword of normalization - of cellulite, stretch marks, different bodies, imperfect skin – has presided over
a shift from a “You can’t sit with us” aesthetic to an “Everyone is welcome” vibe, in which each individual must be able to
aspire to become a universal symbol of beauty.

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Words Matter, Vogue Italia September 2019, Ib Kamara photographed by Paolo Roversi

The present moment can always be a little hard to read for those who inhabit it. And yet it is undeniable that we are living
through a period of transition. Fashion photography for years has offered a somewhat opaque and distorted reflection of our
times, producing elitist, self-referential fantasies. Opening up the fashion world is thus not only desirable, but necessary.
And yet, at the same time, it is also undeniable that fantasy and dream are essential parts of fashion’s identity. In an
age in which there is a dearth of shared stories, fashion has the power to reinvent itself and supply those stories, channelling a
plurality of voices. Thus, while it may seem that fashion photography is moving away from its now outdated role of “seller of
dreams” (and not just because of increasingly hectic production schedules and tight budgets), the tension between reality and
fantasy remains an essential element. To paraphrase Joan Didion, we are well-advised to keep on nodding terms with the
people we used to be, whether we find them attractive company or not. Otherwise they turn up unannounced and surprise us,
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come hammering on the mind's door at 4 a.m. demanding explanations. The bottom line is that dreams are going nowhere.
Rather, our task is to make new ones in which everyone can finally see a reflection of themselves.

"Black Nonsense", Vogue Italia September 2020: a cover and a special project by Tyler Mitchell and Jeremy O. Harris inspired
by the Dadaists of the early 20th century and thanks to thinkers like Arthur Jafa and Tina Campt

In Italiano: Inventeremo Sogni Nuovi La fashion photography deve riflettere la realtà o raccontare favole idealizzate? Meglio
l’eleganza senza tempo dei maestri o la freschezza dei giovani? Il dibattito infiamma le arene digitali. Chi ha ragione?
Probabilmente tutti, o forse nessuno. È impossibile parlare di moda e creatività senza tenere conto del mezzo che più di ogni
altro ha contribuito a rendere la moda un fenomeno globale: la fotografia. La moda e la sua rappresentazione vivono da sempre
in equilibrio tra tensioni diverse (conformismo e differenziazione, realtà e fantasia, escapismo e commento sociale, tradizione e
innovazione) e a seconda delle epoche l’ago punta da una parte o dall’altra. In questo momento storico, però, sembra che la
tensione tra due di questi poli sia irrisolvibile, e l’ago impazzito. L’immagine di moda deve riflettere la realtà o produrre
favole idealizzate? Se nel 1984 Irving Penn commentava il suo lavoro per Vogue dicendo: “Non vendo vestiti, ma

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sogni”, oggi si ribatterebbe: “Sogni di chi, e per chi?”. Osservando le reazioni alla cover di Kamala Harris in Converse, che
richiedono a gran voce un’immagine degna della prima Madam Vice President, le critiche al corto di Garrone Le Mythe Dior
ispirato alla mitologia e alla storia dell’arte classica, non sul lusso decadente in pandemia ma sulla mancanza di diversità nel
casting, guardando al successo dell’opulento passato alternativo di Bridgerton e alla condanna dell’uso editoriale di Photoshop
da una generazione che non ha problemi ad alterare se stessa con app e chirurgia, la domanda sorge spontanea: fantasia e
verità possono convivere? Il sogno e una riproduzione non solo accurata, ma giusta del reale sono concetti compatibili?
Se tensioni, ambiguità e paradossi sono elementi costitutivi della fotografia di moda, è oggi possibile trovare una
sintesi soddisfacente tra realtà e sogno?

Wonder, Vogue Italia March 2018, Remington Williams in Haute Couture photographed by Steven Meisel

Anche se il proclama di Yves Saint Laurent «Abbasso il Ritz, viva la strada» risale al ’68, la strada si è fatta davvero largo nella
fotografia di moda solo negli anni 90, con l’adozione di estetiche diaristiche e documentarie. Ma era sempre una realtà
mediata, un’illusione: i canoni di bellezza rimanevano restrittivi, gli abiti inaccessibili, l’immaginario non occidentale usato come
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prop e le controculture come shock factor. Era spesso la ricontestualizzazione paradossale di realtà lontane dalla moda a
rendere quelle immagini interessanti, controverse e innovative. Più vicino a noi, i social media, oltre a permettere agli artisti di
saltare i cosiddetti gatekeeper, hanno introdotto un’idea di rappresentazione della realtà, un modo di produrre e pensare le
immagini completamente diverso – esperienziale, emotivo, dove la qualità estetica passa in secondo piano rispetto alla
capacità comunicativa (non sembra un caso che la produzione iconografica dei nuovi social media come TikTok o Twitch sia
spesso volutamente unpolished). E hanno inaugurato un modo diverso di fruire le immagini di moda, che non nascono più per
vivere negli editoriali di carta ed essere ritagliate e attaccate nel museo democratico della cameretta di un teenager, ma per
diventare virali in uno spazio pubblico parcellizzato in nicchie solo parzialmente sovrapposte. E mentre negli anni la moda
diventa sempre più strumento primario di costruzione dell’identità, la fotografia che la racconta prende anche una
connotazione etica e morale, dove le zone grigie e i paradossi possono essere visti come una minaccia. Al lato aspirazionale,
escapista e fantastico della fotografia di moda, si favorisce il tentativo di riproduzione della realtà 1:1 (viene in mente la
mappa del racconto di Borges che deve diventare sempre più dettagliata fino a inglobare la realtà stessa). La realtà non va
reinventata, va mostrata. La parola d’ordine è normalizzare: normalizzare la cellulite e le smagliature, normalizzare i corpi
diversi, la pelle imperfetta. Da “You can’t sit with us” siamo passati a “Everyone is welcome”: tutti possono e devono poter
essere simboli universali di bellezza.

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Words Matter, Vogue Italia September 2019, Adut Akech photographed by Paolo Roversi

Il contemporaneo è sempre oscuro per chi lo abita, ma è innegabile che viviamo in un momento di transizione. Se la fotografia
di moda è stata per anni uno specchio del tempo piuttosto opaco e deformante, che creava sogni elitari e autoreferenziali, se
l’apertura del mondo della moda non è solo auspicabile, ma doverosa, è innegabile che fantasia e sogno siano parti
essenziali della sua identità. In un’epoca in cui mancano i racconti collettivi, la moda ha le potenzialità per rinnovarsi ancora
una volta, e diventare quel racconto, fatto di una pluralità di voci. Anche se può sembrare che la fotografia di moda si stia
allontanando dal suo ruolo ormai antico di venditrice di sogni, e non solo per questioni di frenesia produttiva e budget ridotti, la
tensione tra realtà e fantasia ne rimane una componente inevitabile. Come scrive Joan Didion, è sempre bene rimanere in
contatto con le persone che eravamo, anche se erano una pessima compagnia – altrimenti rischiamo di trovarcele senza
preavviso a bussarci alla porta alle quattro di mattina chiedendo spiegazioni. Il sogno, quindi, non va da nessuna parte.
Semplicemente, se ne dovrà inventare uno nuovo, dove oltre la fantasia e l’illusione, ognuno potrà finalmente
rispecchiarsi. Da Vogue Italia, Marzo 2021 p. 112-113

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