J.S. Bach J.S. Bach/ Busoni - Federico Colli PIano - Chandos Records
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J.S. Bach
I ta l i a n
Concerto
P a r t i ta IV
J.S. Bach/
Busoni
Chaconne
Federico Colli pi a n oFerruccio Busoni, 1898
Mary Evans Picture Library / Süddeutsche Zeitung PhotoJohann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Partita IV, BWV 828 30:18
in D major • in D-Dur • en ré majeur
from Clavier-Übung I (Leipzig, 1726 – 31)
1 1 Ouverture 5:08
2 2 Allemande 7:58
3 3 Courante 3:47
4 4 Aria 2:28
5 5 Sarabande 5:26
6 6 Menuet 1:51
7 7 Gigue 3:21
Concerto nach italiänischem Gusto, BWV 971 12:19
(Concerto after the Italian Taste, or Italian Concerto)
in F major • in F-Dur • en fa majeur
Part 1 of Clavier-Übung II (Leipzig, 1735)
8 [ ] 3:55
9 Andante 4:57
10 Presto 3:20
311 Chaconne 16:47
Ciaccona from Partita II, BWV 1004 (1720)
in D minor • in d-Moll • en ré mineur
for Solo Violin
Arranged c. 1897 for Solo Piano by Ferruccio Busoni (1866 – 1924)
An Eugen d’Albert
Andante maestoso, ma non troppo lento – Più mosso, ma misurato –
Un poco a piacere, ma sempre energico il ritmo – Sostenuto –
Tempo I – Allegro moderato ma deciso – Più sostenuto – Più vivo –
Tempo I
TT 59:42
Federico Colli piano
4© Benjamin Ealovega Photography
Federico ColliJ.S. Bach: Keyboard Works
Director Musices in Leipzig his appointment in Leipzig, he had made a
Asked about the professional duties of decision that not only affected his immediate
Johann Sebastian Bach in Leipzig, almost life but that would have far-reaching
any music lover will think first of the term consequences for the focus of his creative
‘Thomaskantor’ and the associated activities output and even for the transmission of his
as teacher at the St Thomas School with its works. The composer himself was apparently
longstanding traditions and as conductor aware of the implications which his decision
of the weekly performances of sacred would have, and he conceded that it was not
concerted music in the two principal churches an easy choice: ‘Which is why I postponed my
of St Thomas and St Nicholas. Bach himself decision for a quarter of a year.’ Only with an
only rarely – and probably reluctantly – enormous exertion of energy was he able to
referred to himself as a mere cantor, however: liberate himself from the constant strain of
‘Though at first, indeed, it did not seem at supplying new church music on a weekly basis
all proper to me to change my position of by composing, between 1723 and 1726, three
Kapellmeister for that of cantor’, he wrote in complete annual cycles of sacred cantatas,
his famous letter of 1730 to Georg Erdmann, thereby creating a repertoire on which he
a friend from his school days, for that title could fall back at any time in subsequent years
entailed the unpleasant connotation of without much effort.
an artistically inferior schoolteacher and
choirmaster. Rather, Bach saw himself as Clavier-Übung, Parts 1 and 2
‘Director Musices’, as the city’s music director, Having mastered these extraordinarily
for only that title allowed him to claim a hectic and industrious first creative years
position equal in status to that of a court at Leipzig, Bach evidently used the time he
Kapellmeister. had gained to prepare a new series of artistic
When in May 1723 Bach signed and projects; thus, for example, he set about
sealed an official document confirming composing the six harpsichord partitas,
6which from November 1726 he published best possible fashion for this kind of
first in individual instalments, choosing the work. This keyboard concerto has to
title ‘Clavier-Übung’, and after five years be regarded as a perfect specimen of
as a collective opus. During the Easter Fair an excellently crafted unaccompanied
1735 he released the Zweyte Theil der Clavier concerto.
Ubung bestehend in einem Concerto nach The overwhelming success of the first two
Italiænischen Gusto und einer Overture nach parts of the Clavier-Übung was owed to Bach’s
Französischer Art vor ein Clavicymbel mit supreme contrapuntal craftsmanship, which
zweyen Manualen (Second Part of the Clavier instilled new life in the established forms
Übung consisting of a concerto in the Italian of the partita and the concerto. Bach was
style and an overture in the French manner even able to add new expressive dimensions
for a harpsichord with two manuals). This to the well-defined formal outlines of the
elaborate title indicates that it was Bach’s stylised suite movements and the rather
intention to present the two national styles bold contrasts between tutti ritornellos
predominant at the time in characteristic and concertato episodes by incorporating
compositions. In his treatment of the polyphonic structures. These particular
instrument Bach took certain liberties by qualities did not remain unnoticed by the
choosing genres from the realm of orchestral composer’s contemporaries. For example,
music, which he adapted as closely as possible the Leipzig lecturer for rhetoric Johann
to the keyboard, taking great delight in Abraham Birnbaum in his apologia of Bach’s
imitating numerous orchestral effects. This compositional technique (1738) attempted
transformation was particularly successful in to characterise the exceptional position which
his ‘Italian Concerto’, BWV 971. Even the the Leipzig Thomaskantor held among the
harshest critic of Bach, his former student composers of his age, finding words that
Johann Adolph Scheibe, praised the piece even today offer significant insights into
enthusiastically: the aesthetic and philosophic concepts that
Foremost among the published music determined Bach’s creative work:
is a keyboard concerto the author of Certainly, also, the voices in the
which is the famous Bach; it is in the works of this great master of music are
key of F major and is arranged in the wonderfully intertwined, yet without
7creating the slightest confusion. They J.S. Bach: Partita IV
move jointly or against one another, Partita IV (BWV 828) was first published
whichever way is necessary. They part privately by Bach in 1728 in Leipzig. Bach
company, and yet at the proper time chose to begin the piece with a French
all come together again. Each voice overture, the characteristics of which he
distinguishes itself from the others by a reproduced precisely: The movement opens
particular variation, while at other times with an ostentatious slow section with sharply
they imitate one another. They flee and dotted rhythms and swift scale figures.
then again pursue one another, yet in Full-voiced chords are suggestive of a large-
their busily trying to outdo one another scale orchestra. This festive introduction is
we never notice even the slightest followed by an extended concertato fugue,
irregularity. When all this is performed in which Bach alternates skilfully between
as it should be, there is nothing more densely woven thematic expositions and
beautiful than this harmony. melodious interludes. In a proper orchestral
The careful contrapuntal elaboration overture the latter would be the trio episodes,
of a piece served, according to Birnbaum, played by three concertato woodwinds (two
to correct the imperfections of nature; oboes and a bassoon). The ensuing Allemande
accordingly, the complexity of the artistic represents a type of dance that had been
convolutions offered to the listener firmly established in the keyboard repertoire
determined the degree of beauty in a piece. since the mid-seventeenth century. Yet, as a
This concept of musical perfection may matter of fact, Bach’s Allemande has by now
also be observed in the works presented on little in common with the original dance;
this CD. Even after having heard the piece rather, it is a kind of fantasy on this type of
numerous times the listener can hardly movement. Paced in a slow metre, the finely
grasp the musical abundance of Bach’s honed, strict three-part texture displays
compositions in all its facets, and yet the numerous melodic and rhythmic subtleties
numerous contrapuntal ramifications in the ornamented melodic line, which is
and details that constitute the individual supported by the two lower parts. The same
movements conjoin to form a comprehensible is true of the Courante, also set for three
general impression. contrapuntal parts, the metric organisation
8of which fluctuates between 3 / 2 and 6 / 4. on the same principle. For the finale, a jaunty
The attentive listener will notice that Bach Presto, he chose the form of a bipartite sonata
is skilfully working with inversions of the movement, thus approaching a genuine
subject here, in the second half achieving the keyboard idiom. It almost seems as if by
effect of almost classical development. The employing this artistic device he intended
lively Aria adopts the 2 / 4 metre fashionable to cancel the illusion of an arrangement of
at the time, captivating us through its pleasant orchestral music and to lead both performer
syncopated melody, while the Sarabande and audience back to the forms and sound
takes up the experimental character of the world of the keyboard.
Allemande. After a brief Menuet the Partita
closes with a virtuosic three-part Gigue. J.S. Bach / Busoni: Chaconne
From early on the quasi abstract quality
J.S. Bach: Italian Concerto of his polyphonic style of composition has
Published in 1735, the Italian Concerto stimulated musicians to adapt pieces by Bach
(BWV 971) is one of Bach’s best-known for other instruments. As his student Johann
keyboard works. In this piece the composer Friedrich Agricola (1720 – 1774) attests, Bach
has succeeded masterfully in transferring himself as well enjoyed playing his sonatas
the conventions of the concerto genre to and partitas for solo violin on the clavichord,
the keyboard instrument. A careful listener ‘filling in as much of harmony as he deemed
will notice how in the opening movement necessary’. In this respect, the Ciaccona
motifs of the introductory tutti ritornello are from the second Partita in D minor for solo
worked into the episodes as accompanying or violin (BWV 1004) by Bach is regarded as
structuring elements. The second movement, the unsurpassed peak of his ambition to
an elegiac Andante, conveys the illusion of a realise without noticeable compromises the
strongly ornamented cantilena presented by full harmonic and contrapuntal scope of his
a melody instrument in high register above musical language on a melody instrument
an ostinato-like accompaniment by the low with only limited potential for chordal and
strings. Perhaps Bach had in mind here the polyphonic play. The Berlin Kapellmeister and
slow movements of his two violin concertos in music theorist Johann Friedrich Reichardt
E major and A minor, which are constructed (1752 – 1814) traced the mastery of this piece
9to Bach’s exceptional gift of moving within The original chord sequences of the version
the self-imposed limitations with maximal for violin are surrounded by fast passage
liberty and assurance. The Bach biographer work, and the distinctive three-note motif,
Philipp Spitta (1841 – 1894) even spoke which in Bach’s version is embedded in rapid
of ‘the triumph of spirit over matter’. The semiquaver passages, appears in the piano
Ciaccona inspired the Italian composer and arrangement as a multiple echo in different
pianist Ferruccio Busoni (1866 – 1924) to octaves.
prepare a keyboard transcription, in which
© 2019 Peter Wollny
he adopted the original score and added
Translation: Stephanie Wollny
numerous pianistic details. Busoni, whose
development as a pianist and composer
was influenced by Bach in a decisive way, A note by the performer
acted here upon the maxim which he had On devising every single CD, the only vital
expressed in his Entwurf einer neuen Ästhetik question that a musician always has to ask
der Tonkunst (Sketch of a New Aesthetic of himself is related to the meaning: which ideas
Music, 1907): create a unity among all the works on the
The spirit of an art-work, the measure album?
of emotion, of humanity, that is in On this CD, even if the manifestation in
it – these remain unchanged in value each work is different, the meaning is the same:
through changing years; the form which the relationship with the transcendent.
these three assumed, the manner of their The theme is a highly current topic: a
expression, and the flavour of the epoch human emotion is really true only when it is in
which gave them birth, are transient, and a relationship with the transcendent.
age rapidly. I shall try to explain it better, because it is
Accordingly, Busoni saw reason to transform crucial.
the Ciaccona into a virtuosic keyboard piece Music, if we understand it in a conventional
the high technical requirements of which sense, is not a universal language: that is, if
corresponded with those of its model. The we understand music only as feelings and
additional parts are particularly prominent emotions, it is not a universal language. If
in the extended middle section in D major: we follow this idea, we move further and
10further away from the transcendent and, the music in its relationship with the
consequently, deeper and deeper into the lost transcendent; in other words, to experience
land of illusion. The reason is the same if the it by means of a contemplative approach to
beauty of a sunset is nothing more than an reality.
apparent sensation: if we are not able to see This relationship is discoverable in both of
behind the beauty of a sunset, to the hands the first two works, reaching pre-eminence
of the potter who with his holy tears wets the during the slow movement of the Italian
clay of his creation, all that beauty remains Concerto and the Ouverture and Sarabande
only appearance. It will not belong to Truth. of Partita IV. In the Sarabande, the first three
To be universal, the beauty of music – and notes always create in me the image of a head
of all reality around us, as well as our spirit that bows down, under the weight of God, in
and our soul – must be related to Truth holy prayer.
and must be evocative of the transcendent. But this relationship is absolutely clear in
Music must be – here I use a term taken from the Chaconne.
theology – a contemplative reality. Viewing And it is not a case of Busoni, who said that
music as a contemplative reality means that ‘only the transcendent (the Divine) deserves
music is a sign of a deeper mystery; making adoration’, choosing this work by Bach to
that effort offers the promise that only at such create the finest transcription in the entire
a point does music achieve universality – history of piano music.
becoming infinite and eternal. Only when The Chaconne is music made by symbols:
music becomes one with the transcendent, all the notes, all the phrases, all the harmonies
with that which sparked the inspiration in the and the melodies are signs of a deeper
heart of the composer, with the transcendent mystery; and this mystery conveys to us
moment at which the music ends, with images, tells us stories. Here, it is my task to
the same transcendent realm in which it explain to you, with words, the mystery that I
exists in the present, under the hands of the personally have discovered during my journey
interpreter, only at that point will music – into knowledge of this music: for without
everywhere and every time – be beautiful. consciousness of this mystery it is simply
The challenging idea behind this whole impossible to understand the overpowering
album is to find the strength to view beauty of the Chaconne.
11The Chaconne is made up of three different that allows God to suffer, that permits God to
parts: the first one in minor (D minor, the tempt God: we may be present at the mystery
tonality of most Requiem settings), the of the death of God!
second one in major (D major, the tonality of The narrative starts at the sixth
the Magnificat, BWV 243), the last one, very transformation. The melody seems to be
enigmatic, acts as a conclusion. the voice of the Evangelists, telling us the
The Chaconne has a theme, a very simple story of Jesus: from his humble birth to
one, just four bars long. This theme is the first speech in the Sanhedrin, from the
transformed thirty-three times in the part in esoteric transfiguration to the miracle of the
minor, before arriving at the part in major. resurrection of Lazarus, from the Sermon on
During the last transformation before the the Mount to the entrance into Jerusalem.
first D major chord, Bach inserts a tritone, In the twentieth transformation we are
the interval called diabolus in musica (the surrounded by the sobs in the Garden of
devil in music), a very scary interval that Gethsemane and we see the weeping Jesus:
during the whole history of music has meant: here he is human, in all his power, and he is
fear of death. At this point, as I became filled with fear.
aware of the presence of this interval and The story changes from the twenty-third
of the significance of the number 33, the transformation: here starts a very long
Christological symbolism of the work crescendo – a crescendo not only in terms of
appeared to me in all its power. And it is at sound but also in terms of emotion – that
this point that my journey into knowledge evokes the path that is the Via Dolorosa in
and comprehension of the mystery behind the Jerusalem. With the cross on his back, stained
beauty of this work starts. with blood, mocked by the people, Jesus is
The first image that arises before our eyes, fulfilling his mission. And we perceive this
at the very beginning – the theme – is the path, we are able to see his stumbles, to hear
image of Golgotha. The piece starts in medias the cries of the Virgin Mary, we can see
res, and we perceive the prospect of the cross, the nails hammered into his hands and the
the sky that darkens, the beautiful long hair prospect of the cross, rising from the ground,
of Mary Magdalene and her tears below the growing always bigger and bigger before our
cross. We feel the holy power of the mystery large and miserable human eyes.
12And at the end of this spasmodic crescendo, The bells (bar 166) are the brilliant
the theme returns at its most powerful: jubilation at this real sign of the divinity of
death is approaching, and in this scene the Jesus. The giant bells cover the full length
devil is behind the mirror. The ‘devil in of the keyboard, as if to embrace the entire
music’ interval is the seal on this death: after world in the same joy, in the same jubilant
it, the world, and the human spirit, will be celebration of the resurrection of Jesus.
something else, forever. This pure exultation closes the second
The fear inherent in the moment closes the chapter. But once more, the last chord is an
first chapter. The last chord of the chapter is open one. If death was not the last word,
an open chord: we cannot determine whether neither can the resurrection be, can it? What
it is a major or a minor chord; an open chord can be more than the resurrection? I spent
means only that the fear and this death are much time over this unanswered question,
not the last word. So, we must move onward. but thanks to some reading I found the
After a long resonant pause, a D major answer to the last chapter.
chord welcomes us. A distant chord opens the last part of the
We are in a dark tomb now, and Jesus has Chaconne. A sense of mystic meditation fills
been laid down near us. Silence is everywhere: the air. The music here (bar 222), so sparse
the music here represents only the motion of with notes, is the mirror of our restless but
the calm spirit of God. Suddenly (bar 146) sleepy soul. We observe a very old man, in a
a light strikes into the tomb. The darkness dark and humid cave, alone, bowed over his
gradually disappears and the spirit of Jesus is holy books, praying, listening. We are on a
awakened; it vanishes from his body, together remote island in the Mediterranean Sea,
with his body, the light is so dazzling. the island of Patmos. The man before us is
Then, frenzied excitement: the news St John.
spreads fast that a man has been able to In the silence of his deep meditation
fight and surmount death (bar 154). Mary (bar 234) the voice of the Archangel Gabriel
Magdalene runs off to announce this breaks the motionlessness. He tells the most
tremendous news, St Peter inspects the tomb, obscure words ever recorded in the history
and in their room Jesus appears among the of the world: words of something that will
disciples. happen.
13The Archangel Gabriel speaks; St John Finally, the last chord. Finally, after the
writes. theme, a D major chord. This complete
And into this evocative story, images of the harmony reveals to us the ultimate meaning
Apocalypse arise vividly before our eyes. of the piece; after this long journey, travelling
In a colossal crescendo (bar 238) we glimpse from death to resurrection, from apocalypse
the frightening scenes of God’s fury: the rider to the last judgment, the answer beyond
on a white horse, with the sword of justice, and the veil is a glorious one: the love of God is
Armageddon, the last battle of Good versus above all, at the end of everything, inside
Evil; again and again, more sound and more everything; and a future of peace, light, and
energy, for the images of the devastation of this fraternity is awaiting us.
world, for the lake of fire, for the evocation of After all the suffering, the hope of eternal
the crying of the sinners, for the blood of the love is what can save us: this love will be the
damned. final answer – this love was the first promise –
At the very end, the Theme returns. A and believing in this love is now, clearly, the
human mind cannot imagine a more powerful most confident wager.
sonority coming from an instrument, and
© 2019 Federico Colli
a human heart cannot bear a more sublime
greatness.
God is seated in front of us, on his white Praised by Gramophone for the ‘crystalline
throne, in his golden halo, judging the good brilliance and translucence that takes you to
and the bad. the heart of everything he plays’, the Italian
The bells of destiny (bar 256) signal the pianist Federico Colli is internationally
approach of the inescapable end of all things. recognised for his intelligent, imaginative
And one of the most human chords that I have interpretations and impeccable technique.
ever encountered in music (bar 254) is the sign He was born in Brescia in 1988 and studied
that only at the moment of the last judgement at the Conservatorio di musica ‘Giuseppe
will all human beings be able to recognise Verdi’ in Milan, Accademia Pianistica
themselves as humans, in the middle of other Internazionale ‘Incontri col Maestro’
humans – all equal, all the same, because in Imola, and Universität Mozarteum
everybody stands equal before God. Salzburg, under the guidance of Sergio
14Marengoni, Konstantin Bogino, Boris Thomson, Sir Mark Elder, Vasily Petrenko,
Petrushansky, and Pavel Gililov. Since Vladimir Ashkenazy, Yuri Temirkanov,
winning First Prize at the International Alan Buribayev, Juraj Valčuha, Joji Hattori,
Mozart Competition in Salzburg in 2011 and Thomas Søndergård. Federico Colli
and Gold Medal at the Leeds International has appeared at the Klavier-Festival Ruhr,
Piano Competition in 2012, he has Duszniki International Chopin Piano
performed with leading orchestras across Festival, Eilat Chamber Music Festival,
Europe and the Americas, including the Festival Pianistico Internazionale di Brescia
St Petersburg Philharmonic Orchestra, e Bergamo, Accademia Filarmonica Romana,
Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa LSO St Luke’s, International Piano Series
Cecilia, Orchestra Sinfonica Nazionale at the Southbank Centre in London,
della RAI di Torino, Philharmonia Sociedad Filarmónica de Bilbao, Società dei
Orchestra, BBC Symphony Orchestra, Concerti di Milano, White Nights Festival in
Hallé, Philharmonie Zuidnederland, Polish St Petersburg, Joy of Music Festival in Hong
National Radio Symphony Orchestra, Kong, Dvořák Prague International Music
Wiener KammerOrchester, and Camerata Festival, Cidade das Artes in Rio de Janeiro,
Salzburg, under such eminent conductors Musashino Civic Cultural Hall in Tokyo, and
as Valery Gergiev, Sakari Oramo, Neil Tokyo Bunka Kaikan.
15Jonathan Cooper
Federico Colli, at Potton Hall, preparing to record BachJ.S. Bach: Klavierwerke
Director Musices in Leipzig kurz zuvor erfolgte Berufung in Leipzig
Fragt man nach Johann Sebastian annahm, traf er eine Entscheidung, die
Bachs Leipziger Tätigkeit, so wird fast über die unmittelbaren Umstände seines
jedem Musikfreund zuerst der Begriff Lebens hinaus auch für die Schwerpunkte
“Thomaskantor” einfallen sowie das damit seines Schaffens und selbst für die
verbundene Aufgabenfeld als Lehrer an Überlieferung seiner Werke weitreichende
der traditionsreichen Thomasschule und Konsequenzen haben sollte. Bach selbst
Dirigent der wöchentlichen Aufführungen hat die Tragweite dieses Entschlusses
von geistlicher Figuralmusik in den beiden offenbar deutlich empfunden und sich die
Hauptkirchen St. Thomae und St. Nikolai. Entscheidung nach eigenem Geständnis
Bach selbst hat sich jedoch nur selten – und nicht leichtgemacht: “weßwegen auch meine
vermutlich ungern – einfach als Kantor resolution auf ein vierthel Jahr trainirete”.
bezeichnet: “Ob es mir nun zwar anfänglich Von der erdrückenden Dauerbelastung
gar nicht anständig seyn wolte, aus einem der Bereitstellung neuer Stücke für die
Capellmeister ein Cantor zu werden”, heißt Musikaufführungen in den Kirchen
es vielsagend in dem berühmten Brief an den vermochte er sich nur mit einer ungeheuren
Jugendfreund Georg Erdmann aus dem Jahr Kraftanstrengung zu befreien, indem er
1730, denn dem Titel haftete das Odium eines zwischen 1723 und 1726 drei vollständige
künstlerisch minderwertigen Schulmannes Jahrgänge von Kantaten komponierte und
und Chorleiters an. Eher sah Bach sich somit ein Repertoire schuf, auf das er in den
deshalb als “Director Musices”, als städtischer folgenden Jahren jederzeit ohne größeren
Musikdirektor; nur mit diesem Titel konnte Aufwand zurückgreifen konnte.
er einen Rang behaupten, der dem eines
höfischen Kapellmeisters ebenbürtig war. Clavier-Übung, Teil 1 und 2
Als Bach im Mai 1723 auf einem offiziellen Nachdem diese außerordentlich
Revers mit Unterschrift und Petschaft seine hektische und arbeitsame erste Leipziger
17Schaffensperiode hinter ihm lag, nutzte berühmten Bach zum Verfasser hat,
Bach die gewonnene Zeit offenbar zur und aus der grossen Thonart F. gehet,
Vorbereitung neuer künstlerischer Projekte – auf die beste Art eingerichtet, die
etwa für die Kompositionsarbeiten an den nur in diesen Stücken anzuwenden
sechs Cembalo-Partiten, die er ab November ist. Und es ist dieses Clavierconcert
1726 unter dem Titel “Clavier-Übung” als ein vollkommenes Muster eines
zunächst einzeln, fünf Jahre später dann wohleingerichteten einstimmigen
als geschlossenes Opus veröffentlichte. Zur Concerts anzusehen.
Ostermesse des Jahres 1735 erschien dann der Der große Erfolg der ersten beiden
“Zweyte Theil der Clavier Ubung bestehend Teile der Clavier-Übung beruhte in Bachs
in einem Concerto nach Italiænischen Gusto überlegener satztechnischer Kunst, durch
und einer Overture nach Französischer Art die die alten Formen der Partita und des
vor ein Clavicymbel mit zweyen Manualen”. Concertos gleichsam mit neuem Leben
Bach wollte in diesem Opus mithin die beiden erfüllt wurden. Selbst die abgezirkelten
vorherrschenden Nationalstile seiner Zeit in Formen der stilisierten Suitensätze und
charakteristischen Kompositionen vorstellen. die eher plakativen Kontraste zwischen
Eine gewisse Verfremdung ergab sich daraus, Tutti-Ritornell und konzertanter Episode
dass er Gattungen aus dem Bereich der vermochte er mit polyphonen Strukturen
Orchestermusik wählte, die er so genau wie anzureichern und dadurch vieldeutig und
möglich auf das Tasteninstrument übertrug, tiefsinnig zu gestalten. Den Zeitgenossen
wobei er sich einen Spaß daraus machte, blieb dies nicht verborgen. So unternahm
zahlreiche orchestrale Effekte nachzuahmen. der Leipziger Dozent für Rhetorik
Besonders gut gelungen ist dies in dem Johann Abraham Birnbaum in seiner
“Italienischen Konzert” BWV 971. Selbst 1738 verfassten Apologie der Bachschen
Bachs schärfster Kritiker, sein ehemaliger Kompositionstechnik den Versuch,
Schüler Johann Adolph Scheibe, fand die besondere Stellung des Leipziger
enthusiastische Worte zu diesem Werk: Thomaskantors unter den Komponisten
Vornemlich ist unter den durch seines Zeitalters zu charakterisieren; er fand
öffentlichen Druck bekannten Sachen dabei Formulierungen, die auch heute noch
ein Clavierconcert, welches den wesentliche Einblicke in die ästhetischen und
18philosophischen Konzepte gewähren, die Werken zu beobachten. Den musikalischen
Bachs Schaffen bestimmten: Reichtum von Bachs Kompositionen kann
Ubrigens ist gewiß, daß die stimmen in der Hörer auch nach vielfachem Hören kaum
den stücken dieses grossen meisters in in all seinen Dimensionen erfassen; dennoch
der Music wundersam durcheinander fügen sich die zahllosen kontrapunktischen
arbeiten: allein alles ohne die geringste Verästelungen und Details, aus denen sich
verwirrung. Sie gehen mit einander und die einzelnen Sätze konstituieren, zu einem
widereinander; beydes wo es nöthig durchaus fassbaren Gesamteindruck.
ist. Sie verlassen einander und finden
sich doch alle zu rechter zeit wieder J.S. Bach: Partita IV
zusammen. Jede stimme macht sich Die Partita IV (BWV 828) erschien
vor der andern durch eine besondere zunächst 1728 “in Verlegung des Autoris”
veränderung kenntbar, ob sie gleich in Leipzig. Bach wählte als Kopfsatz eine
öfftermahls einander nachahmen. Sie Französische Ouvertüre, deren Eigenheiten
fliehen und folgen einander, ohne er genau nachbildete: Der Satz wird von
daß man bei ihren beschäfftigungen, einem pompösen langsamen Teil mit
einander gleichsam zuvorzukommen, die scharf punktierten Rhythmen und raschen
geringste unregelmäßigkeit bemercket. Skalenfiguren eröffnet. Vollstimmige
Wird dieses alles so, wie es seyn soll, Akkorde erwecken den Eindruck eines
zur execution gebracht; so ist nichts großbesetzten Orchesters. An diese
schöners, als diese harmonie. festliche Einleitung schließt sich eine
Das sorgfältige kontrapunktische ausgedehnte konzertante Fuge an, in der
Ausarbeiten eines Stückes diente – nach Bach mit großem Geschick zwischen dicht
Birnbaum – dazu, die Unvollkommenheiten gewebten thematischen Durchführungen
der Natur auszubessern; folglich bestimme und melodiebetonten Zwischenspielen
die Komplexität der dargebrachten wechselt. In einer echten Orchesterouvertüre
kunstvollen Verschlingungen das Maß der wären dies die Trioepisoden mit drei
Schönheit eines Werks. Dieses Konzept von konzertierenden Bläsern (zwei Oboen
musikalischer Vollkommenheit ist auch in und Fagott). Die nachfolgende Allemande
den auf der vorliegenden CD eingespielten vertritt einen Satztyp, der seit dem
19mittleren siebzehnten Jahrhundert in Klavierwerken Bachs. Mit großem Geschick
der Klaviermusik seinen festen Platz hat. hat der Komponist hier die Konventionen der
Mit dem ursprünglichen Tanz hat Bachs Konzertsatzform auf das Tasteninstrument
Allemande freilich kaum mehr etwas zu übertragen. Wer genau achtgibt, wird
tun; vielmehr handelt es sich hier um eine bemerken, wie im Kopfsatz Motive des
Art Fantasie über das Satzmodell. Das in einleitenden Tutti-Ritornells als begleitende
langsamem Metrum schreitende, subtil oder gliedernde Elemente in die Episoden
gearbeitete streng dreistimmige Gewebe integriert werden. Der zweite Satz, ein
entfaltet in der ausgezierten Oberstimme eine elegisches Andante, vermittelt die Illusion
Vielzahl von melodischen und rhythmischen einer stark ausgezierten Kantilene, die von
Raffinessen, die von den beiden tieferen einem Melodieinstrument in hoher Lage
Stimmen gestützt werden. Das gleiche gilt über einer ostinatohaften Begleitung der
für die ebenfalls dreistimmige Courante, tiefen Streichinstrumente vorgetragen wird.
deren metrische Organisation zwischen Bach mag hier an die langsamen Sätze seiner
dem 3 / 2- und dem 6 / 4-Takt schwankt. beiden Violinkonzerte in E-Dur und a-Moll
Der aufmerksame Hörer wird bemerken, gedacht haben, die nach demselben Prinzip
dass Bach geschickt mit Umkehrungen des gebaut sind. Für das Finale, ein keckes
Themas arbeitet und daraus im zweiten Teil Presto, wählte er die Form eines zweiteiligen
fast durchführungsartige Wirkungen erzielt. Sonatensatzes und näherte sich damit der
Die lebhafte Aria verwendet den seinerzeit genuinen Klaviermusik an. Es scheint, als
modischen 2 / 4-Takt und besticht durch ihre habe er mit diesem Kunstgriff die Illusion
angenehme synkopische Melodik, während die einer Übertragung aus dem Bereich der
Sarabande an den experimentellen Charakter Orchestermusik wieder aufheben und Spieler
der Allemande anknüpft. Nach einem knappen wie Hörer in die Formen- und Klangwelt der
Menuett wird die Partita mit einer virtuosen Tasteninstrumente zurückführen wollen.
dreistimmigen Gigue beschlossen.
J.S. Bach / Busoni: Chaconne
J.S. Bach: Italienisches Konzert Seit jeher hat die gleichsam abstrakte Qualität
Das 1735 gedruckte Italienische Konzert von Bachs polyphoner Kompositionsweise
(BWV 971) gehört zu den bekanntesten Musiker angeregt, seine Werke auf andere
20Klangmedien zu übertragen. Auch Bach erweiterte. Busoni, dessen pianistische und
selbst hat – nach dem Zeugnis seines Schülers künstlerische Entwicklung entscheidend
Johann Friedrich Agricola (1720 – 1774) – von Bach geprägt war, verfuhr hier nach
seine Sonaten und Partiten für Violine solo seiner Maxime, dass er den “Geist eines
gerne auf dem Clavichord gespielt; dabei Kunstwerkes, das Maß der Empfindung,
“fügte [er] von Harmonie so viel dazu bey, das Menschliche” als vollkommen ehre, “die
als er für nöthig befand”. Als unerreichter Form, die diese drei aufnahm, die Mittel, die
Höhepunkt von Bachs Bestreben, auf sie ausdrückte, und den Geschmack, den die
einem Melodieinstrument mit nur Epoche ihres Entstehens über sie ausgoß” aber
begrenzten Möglichkeiten zu akkordischem als vergänglich ansah (Entwurf einer neuen
und mehrstimmigem Spiel den ganzen Ästhetik der Tonkunst, 1907). Entsprechend
harmonischen und polyphonen Reichtum sah Busoni sich veranlasst, die Ciaccona in
seiner Musiksprache ohne merkliche ein virtuoses Klavierstück umzuwandeln,
Abstriche zu realisieren, gilt die Ciaccona aus dessen hohe technische Anforderungen
der zweiten Partita in d-Moll für Violine solo dem Niveau der Vorlage entsprechen. Die
(BWV 1004). Der Berliner Kapellmeister zusätzlichen Stimmen treten besonders
und Musiktheoretiker Johann Friedrich in dem ausgedehnten D-Dur-Mittelteil
Reichardt (1752 – 1814) erkannte die deutlich hervor: Die originalen Akkordfolgen
Meisterschaft dieses Werks in der besonderen der Violinfassung werden von raschem
Fähigkeit des Komponisten, sich innerhalb Passagenwerk umspielt, und das bei Bach in
der selbstauferlegten Beschränkungen rasante Sechzehntelpassagen eingebettete
mit maximaler Freiheit und Sicherheit zu markante Dreitonmotiv erklingt in der
bewegen. Und der Bach-Biograph Philipp Klavierfassung als ein vielfaches Echo in
Spitta (1841 – 1894) sprach gar vom verschiedenen Oktavlagen.
“Triumph des Geistes über die Materie”. Den
© 2019 Peter Wollny
italienischen Komponisten und Pianisten
Ferruccio Busoni (1866 – 1924) regte die
Ciaccona zu einer Klaviertranskription an, in Anmerkungen des Solisten
der er den originalen Notentext übernahm Bei der Konzeption jeder CD lautet die
und um zahlreiche pianistische Zutaten einzige wesentliche Frage, die ein Musiker
21sich immer stellen muss: Welche Ideen Um universal zu sein, muss die Schönheit
schaffen eine Verbindung zwischen der Musik – und die der uns umgebenden
sämtlichen Werken auf diesem Album? Wirklichkeit ebenso wie die unseres Geistes
Auf dieser CD mag zwar jedes Werk eine und unserer Seele – mit der Wahrhaftigkeit
andere Erscheinungsform haben, aber alle in Beziehung stehen und das Transzendente
haben eine gemeinsame Bedeutung – die beschwören. Musik muss – und hier verwende
Beziehung zum Transzendenten. ich einen Begriff aus der Theologie –
Das Thema ist ausgesprochen aktuell: Eine kontemplative Realität sein. Die Musik
menschliche Empfindung ist nur wahrhaftig, als kontemplative Realität zu betrachten,
wenn sie zum Transzendenten in Bezug steht. bedeutet, sie als Zeichen eines tieferen
Ich werde dies besser zu erklären versuchen, Mysteriums zu verstehen; diese Mühe auf
da es von entscheidender Bedeutung ist. sich zu nehmen, enthält das Versprechen,
Die Musik im konventionellen Sinne ist dass die Musik nur an einem solchen Punkt
keine universale Sprache; das heißt, wenn die Universalität erreicht, mithin unendlich
wir Musik nur als Gefühle und Emotionen und ewig wird. Nur wenn die Musik eins
begreifen, handelt es sich nicht um eine wird mit dem Transzendenten, mit dem, was
universale Sprache. Verfolgen wir diesen die Inspiration im Herzen des Komponisten
Gedanken weiter, so entfernen wir uns immer entzündet hat, mit dem transzendenten
mehr von der Transzendenz und begeben Augenblick, in dem die Musik endet, mit
uns folglich immer tiefer in das verlorene derselben transzendenten Sphäre, in der sie
Land der Illusion. Ähnlich ist die Schönheit in diesem Moment unter den Händen des
eines Sonnenuntergangs nicht mehr als Interpreten existiert, nur an diesem Punkt
eine bloße Empfindung: Wenn wir nicht wird die Musik – überall und jederzeit –
in der Lage sind, hinter die Schönheit eines schön sein.
Sonnenuntergangs zu blicken und dort die Die dem gesamten Album zugrundeliegende
Hände des Töpfers auszumachen, der mit Herausforderung liegt darin, die Kraft zu
seinen heiligen Tränen den Lehm seiner finden, die Musik in ihrer Beziehung zum
Schöpfung benetzt, dann bleibt all diese Transzendenten zu betrachten; mit anderen
Schönheit bloßer Schein. Mit Wahrheit hat Worten, sie mittels einer kontemplativen
sie nichts zu tun. Annäherung an die Wirklichkeit zu erfahren.
22Diese Beziehung lässt sich in den beiden Die Chaconne setzt sich aus drei
ersten Werken nachvollziehen; besonders unterschiedlichen Teilen zusammen: Der
auffällig ist sie im langsamen Satz des erste steht in Moll (d-Moll, der Tonart der
Italienischen Konzerts sowie in der Ouverture meisten Requiem-Vertonungen), der zweite
und der Sarabande von Partita IV. In der in Dur (D-Dur, der Tonart des Magnificat
Sarabande wecken die ersten drei Töne in mir BWV 243) und der letzte, sehr rätselhafte
immer das Bild eines Kopfes, der sich unter Teil bildet den Abschluss.
dem Gewicht Gottes in heiligem Gebet senkt. Die Chaconne hat ein Thema, ein ganz
Aber besonders deutlich ist diese einfaches, das nur vier Takte umfasst. Dieses
Beziehung in der Chaconne. Thema wird in dem Moll-Teil dreiunddreißig
Und es ist auch nicht wie bei Busoni, der mal transformiert, bevor wir den Dur-Teil
gesagt hat, dass “nur das Transzendente erreichen. In der letzten Transformation vor
(das Göttliche) verdient, angebetet zu dem ersten D-Dur-Akkord fügt Bach einen
werden”; und Busoni hat dieses Bachsche Tritonus ein, das Intervall, das als diabolus in
Werk ausgewählt, um die herausragendste musica (der Teufel in der Musik) bezeichnet
Transkription in der Geschichte der wird, ein sehr beängstigendes Intervall, das
Klaviermusik zu schaffen. in der gesamten Musikgeschichte nur eine
Die Chaconne ist Musik, die sich aus Bedeutung hatte – die Angst vor dem Tod.
Symbolen zusammensetzt: Alle Noten, alle An dieser Stelle wurde ich auf dieses Intervall
Phrasen, alle Harmonien und alle Melodien aufmerksam und auf die Bedeutung der Zahl 33;
sind Zeichen eines tieferen Mysteriums; die christologische Symbolik des Werks erschien
und dieses Mysterium vermittelt uns Bilder, mir in ihrer ganzen Kraft. Und an dieser Stelle
erzählt uns Geschichten. Hier ist es nun beginnt meine Reise hin zu Wissen und
meine Aufgabe, Ihnen mit Worten das Erkenntnis des Mysteriums, das hinter der
Mysterium zu erläutern, das ich persönlich Schönheit dieses Werks liegt.
während meiner Expedition in die Welt dieser Das erste Bild, das vor unseren Augen
Musik entdeckt habe; denn ohne sich dieses ersteht, ganz am Anfang – das Thema – ist
Mysteriums bewusst zu sein, ist es einfach die Vorstellung von Golgatha. Das Stück
unmöglich, die überwältigende Schönheit der beginnt in medias res, und wir sehen das
Chaconne zu begreifen. Kreuz, den sich verdunkelnden Himmel, das
23schöne lange Haar Maria Magdalenas und seine Hände getrieben werden und wie sie
ihre Tränen unter dem Kreuz. Wir spüren das Kreuz aufrichten, es erhebt sich immer
die heilige Kraft des Mysteriums, das Gott höher vor unseren großen und unglücklichen
erlaubt zu leiden, das Gott erlaubt, Gott Menschenaugen.
in Versuchung zu führen: wir dürfen dem Und am Ende dieses angespannten
Mysterium von Gottes Tod beiwohnen! Crescendo kehrt das Thema in seiner
Die Geschichte beginnt bei der sechsten kraftvollsten Ausprägung zurück: Der
Transformation. Die Melodie scheint die Tod naht und in dieser Szene steht der
Stimme der Evangelisten zu sein, die uns die Teufel hinter dem Spiegel. Das “Teufel in
Geschichte Jesu erzählen: von seiner ärmlichen der Musik”-Intervall besiegelt diesen Tod:
Geburt zu seiner ersten Rede im Sanhedrin, Danach werden die Welt und der menschliche
von der esoterischen Transfiguration zum Geist für immer anders sein.
Wunder der Erweckung des Lazarus, von der Die in diesem Augenblick enthaltene
Bergpredigt bis zur Ankunft in Jerusalem. Angst beendet das erste Kapitel. Der letzte
In der zwanzigsten Transformation Akkord des Kapitels ist ein offener Akkord:
befinden wir uns umgeben vom Schluchzen Wir können nicht entscheiden, ob es sich
im Garten Gethsemane und wir sehen den um einen Dur- oder einen Moll-Dreiklang
weinenden Jesus: Hier ist er menschlich, in all handelt; ein offener Akkord bedeutet nichts
seiner Macht, und er ist voller Angst. anderes, als dass mit dieser Angst und diesem
Die Geschichte wandelt sich ab der Tod noch nicht das letzte Wort gesprochen
dreiundzwanzigsten Transformation: Hier ist. Also müssen wir noch weiter gehen.
beginnt ein sehr langes Crescendo – ein Nach einer langen nachhallenden Pause
Crescendo nicht nur in Bezug auf den Klang, werden wir von einem D-Dur-Akkord
sondern auch auf emotionaler Ebene; es begrüßt.
evoziert die Via Dolorosa in Jerusalem. Mit Wir befinden uns nun in einem dunklen
dem Kreuz auf seinem Rücken, blutbefleckt Grab, und Jesus ist in unserer Nähe abgelegt
und von den Menschen verhöhnt, erfüllt Jesus worden. Überall ist Stille: Die Musik
seine Mission. Und wir sehen diesen Weg, repräsentiert hier nur die Bewegung des
wir sehen ihn stolpern, hören die Schreie der ruhigen göttlichen Geistes. Plötzlich
Jungfrau Maria, wir sehen wie die Nägel in (Takt 146) scheint in dem Grab ein helles
24Licht auf. Die Dunkelheit verschwindet Der letzte Teil der Chaconne beginnt mit
allmählich und der Geist Jesu erwacht; er löst einem harmonisch entfernten Akkord. Eine
sich aus seinem Körper und verschwindet Stimmung voller mystischer Meditation
zusammen mit seinem Körper, das Licht ist so erfüllt die Luft. Die Musik an dieser Stelle
gleißend. (Takt 222) spiegelt mit ihrer kargen Zahl von
Dann, größte Aufregung: Schnell Tönen unsere rastlose und zugleich müde
verbreitet sich die Nachricht, dass ein Mensch Seele. Wir nehmen einen sehr alten Mann
in der Lage war, den Tod zu bekämpfen wahr, der allein in einer dunklen, feuchten
und ihn zu überwinden (Takt 154). Maria Höhle sitzt, über seine heiligen Bücher
Magdalena läuft fort, um die ungeheuerliche gebeugt, betend, horchend. Wir befinden uns
Nachricht zu verbreiten, Petrus untersucht auf einer entlegenen Insel im Mittelmeer,
das Grab, und in ihrer Kammer erscheint der Insel Patmos. Der Mann vor uns ist der
Jesus seinen Jüngern. Heilige Johannes.
Die Glocken (Takt 166) stehen für den Die bewegungslose Stille seiner tiefen
strahlenden Jubel über dieses wahrhafte Meditation (Takt 234) wird von der Stimme
Zeichen der Göttlichkeit Jesu. Die des Erzengels Gabriel unterbrochen. Er
gewaltigen Glocken umfassen die gesamte äußert die obskursten Worte, die jemals
Länge der Tastatur, als wollten sie die ganze festgehalten wurden – Worte von etwas, das
Welt umarmen in dieser Freude, in dieser geschehen wird.
jubilierenden Feier der Auferstehung Jesu. Der Erzengel Gabriel spricht und der
Mit diesem reinen Jubel endet das zweite Heilige Johannes schreibt es nieder.
Kapitel. Doch auch hier ist der letzte Akkord Und während diese bewegende Geschichte
offen. Wenn der Tod nicht das letzte Wort erzählt wird, erstehen vor unseren Augen
hatte, kann auch die Auferstehung es nicht Bilder der Apokalypse.
haben, oder? Was kann größer sein als die In einem kolossalen Crescendo (Takt 238)
Auferstehung? Ich habe viel Zeit damit erblicken wir die beängstigenden Szenen
verbracht, über diese Frage nachzudenken, des göttlichen Zorns: den Reiter auf
und nachdem ich mich belesen hatte, habe einem weißen Ross, mit dem Schwert der
ich die Antwort zu diesem letzten Kapitel Gerechtigkeit, und Armageddon, die letzte
gefunden. Schlacht des Guten gegen das Böse; wieder
25und wieder, mehr Lärm und mehr Energie von der Apokalypse zum Jüngsten Gericht
für die Bilder der Zerstörung dieser Welt, führt, taucht hinter dem Schleier eine
für den See aus Feuer, für die Beschwörung glorreiche Antwort auf: Die Liebe Gottes ist
der Schreie der Sünder, für das Blut der über allem, am Ende von allem, in allem; und
Verdammten. uns erwartet eine Zukunft voller Frieden,
Ganz am Ende kehrt das Thema zurück. Licht und Brüderlichkeit.
Einen noch kraftvolleren instrumentalen Nach all dem Leid ist es die Hoffnung auf
Klang kann der menschliche Geist sich nicht die ewige Liebe, die uns retten kann: Diese
vorstellen, und eine noch größere Erhabenheit Liebe wird die letzte Antwort sein – diese
kann das menschliche Herz nicht ertragen. Liebe war die erste Verheißung – und an diese
Gott sitzt vor uns, auf seinem weißen Liebe zu glauben ist nun offensichtlich das
Thron, mit seinem goldenen Heiligenschein, vertrauensvollste Pfand.
und richtet die Guten und die Bösen.
© 2019 Federico Colli
Die Schicksalsglocken (Takt 256)
Übersetzung: Stephanie Wollny
verkünden das Nahen des unvermeidlichen
Endes aller Dinge. Und einer der
menschlichsten Akkorde, die mir jemals Der von der Zeitschrift Gramophone für die
in der Musik begegnet sind (Takt 254) ist “kristalline Brillanz und Durchlässigkeit,
das Zeichen, dass nur im Augenblick des die einen zum Kern von allem führt, was
Jüngsten Gerichts alle Menschen in der er spielt” gepriesene italienische Pianist
Lage sein werden, sich selbst als menschlich Federico Colli ist international für seine
zu erkennen, umgeben von anderen intelligenten, einfallsreichen Interpretationen
menschlichen Wesen – alle gleich, alle sowie für seine makellose Technik anerkannt.
dieselben, denn jeder steht gleichwertig vor Er wurde 1988 in Brescia geboren und
Gott. studierte am Conservatorio di musica
Schließlich der letzte Akkord. Schließlich, “Giuseppe Verdi” in Mailand, der Accademia
nach dem Thema, ein D-Dur-Akkord. Diese Pianistica Internazionale “Incontri col
vollständige Harmonie offenbart uns die Maestro” in Imola und der Universität
ultimative Bedeutung des Stücks; nach dieser Mozarteum Salzburg, unter der Anleitung
langen Reise, die vom Tod zur Erlösung und von Sergio Marengoni, Konstantin Bogino,
26Boris Petrushansky und Pavel Gililov. Seit er Vasily Petrenko, Vladimir Ashkenazy, Yuri
2011 den ersten Preis beim Internationalen Temirkanov, Alan Buribayev, Juraj Valčuha,
Mozartwettbewerb in Salzburg und 2012 die Joji Hattori und Thomas Søndergård.
Goldmedaille der Leeds International Piano Außerdem ist Federico Colli beim Klavier-
Competition gewann, hat er mit führenden Festival Ruhr, dem Duszniki International
Orchestern wie etwa den St. Petersburger Chopin Piano Festival, dem Eilat Chamber
Philharmonikern, dem Orchestra Music Festival, dem Festival Pianistico
dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Internazionale di Brescia e Bergamo, in der
dem Orchestra Sinfonica Nazionale della Accademia Filarmonica Romana, dem LSO
RAI di Torino, dem Philharmonia Orchestra, St. Luke’s in London, bei der International
dem BBC Symphony Orchestra, dem Hallé- Piano Series am Southbank Centre in
Orchester, der Philharmonie Zuidnederland, London, der Sociedad Filarmónica de Bilbao,
dem Nationalen Symphonieorchester der Società dei Concerti di Milano, beim
des Polnischen Rundfunks, dem Wiener White Nights Festival in St. Petersburg, dem
KammerOrchester und der Camerata Salzburg Joy of Music Festival in Hong Kong, dem
in ganz Europa und auf dem amerikanischen Internationalen Dvořákova Praha Musik-
Kontinent konzertiert, und zwar unter so Festival, im Cidade das Artes in Rio de Janeiro,
bedeutenden Dirigenten wie Valery Gergiev, in der Musashino Civic Cultural Hall in Tokio
Sakari Oramo, Neil Thomson, Sir Mark Elder, und im Tokio Bunka Kaikan aufgetreten.
27Jonathan Cooper
A lighter moment during the recording sessionsJ.S. Bach: Œuvres pour clavier
Director Musices à Leipzig Quand en mai 1723 Bach signa et scéla le
Questionnés sur les obligations document officiel confirmant sa nomination
professionnelles de J.S. Bach à Leipzig, à Leipzig, il prenait une décision qui non
presque tous les mélomanes penseront en seulement affectait sa vie dans l’immédiat,
premier lieu au terme de “Thomaskantor” mais dont les conséquences allaient être
et aux activités associées à la fonction de durables pour la direction de sa production
professeur à l’école Saint-Thomas avec ses créatrice et même pour la transmission de
anciennes traditions, et comme chef des ses œuvres. Il semble avoir été conscient
exécutions hebdomadaires de musique sacrée des implications d’une telle décision, car
dans les deux églises principales de Saint- il avoua que ce choix n’avait pas été facile:
Thomas et de Saint-Nicolas. Cependant – et “C’est pourquoi j’ai trainé pendant trois
probablement avec réticence – Bach faisait mois avant de prendre une résolution.” Seule
rarement référence à sa fonction comme étant une gigantesque dépense d’énergie devait lui
celle d’un simple cantor: “Bien qu’au début, permettre de se libérer de la contrainte de
il ne me semblait pas du tout convenable fournir de la nouvelle musique d’église chaque
de changer ma position de Kapellmeister semaine en composant trois cycles annuels
pour celle de Cantor”, écrivait-il à son ami complets de cantates sacrées de 1723 à 1726,
de jeunesse Georg Erdmann dans une lettre créant ainsi un répertoire sur lequel il pourrait
célèbre de 1730, puisque ce titre impliquait la se reposer à tout moment dans les années à
connotation artistiquement inférieure et peu venir sans grand effort.
flatteuse d’instituteur et de chef de chorale.
Bach se considérait plutôt comme “Director Clavier-Übung, Première et Deuxième
Musices”, c’est-à-dire comme le directeur Parties
musical de la ville, car seul ce titre pouvait lui Ayant derrière lui cette première période
permettre de prétendre à un rang égal à celui créatrice extraordinairement intense et
d’un Kapellmeister de cour. laborieuse à Leipzig, Bach semble avoir
29ainsi utilisé le temps qu’il avait gagné pour Parmi les musiques publiées se trouve en
préparer de nouveaux projets artistiques. Il tout premier un concerto pour clavier
se mit ainsi à composer les six partitas pour dont l’auteur est le célèbre Bach; il
clavecin qu’il publia d’abord séparément est dans la tonalité de fa majeur et est
à partir de novembre 1726 sous le titre de arrangé de la meilleure manière pour
“Clavier-Übung”, et cinq ans plus tard en ce genre d’ouvrage. Ce concerto pour
un seul recueil. Pendant la foire de Pâques clavier doit être considéré comme un
de 1735, il publia la Zweyte Theil der Clavier exemple parfait d’un concerto sans
Ubung bestehend in einem Concerto nach accompagnement excellemment façonné.
Italiænischen Gusto und einer Overture nach Le très grand succès des deux premières
Französischer Art vor ein Clavicymbel mit parties de la Clavier-Übung était dû à
zweyen Manualen (Deuxième Partie de la la suprême maîtrise contrapuntique du
Clavier Übung se composant d’un concerto compositeur, et elle insuffla une nouvelle
dans le goût italien et d’une ouverture à la vie aux formes anciennes de la partita
française pour un clavecin à deux claviers). et du concerto. Bach fut même capable
Ce titre élaboré indique que Bach avait d’ajouter une nouvelle dimension expressive
l’intention de présenter les deux styles aux contours formels bien définis des
nationaux prédominants à l’époque dans mouvements stylisés de la suite, ainsi que des
des compositions caractéristiques. Dans son contrastes plutôt audacieux entre les tutti des
traitement de l’instrument Bach prit certaines ritournelles et les épisodes concertato en leur
libertés en choisissant des genres dans le incorporant des structures contrapuntiques.
domaine de la musique orchestrale, qu’il Ces qualités particulières ne furent pas sans
adapta le plus près possible au clavier, et en être remarquées par les contemporains du
prenant un grand plaisir à imiter de nombreux compositeur. Par exemple, Johann Abraham
effets orchestraux. Cette transformation est Birnbaum, le maître de conférence en
particulièrement réussie dans son “Concerto rhétorique de Leipzig, tenta de caractériser la
Italien”, BWV 971. Même le critique position exceptionnelle que le Thomaskantor
le plus sévère de Bach, son ancien élève de Leipzig occupait parmi les compositeurs de
Johann Adolph Scheibe, loua l’ouvrage avec son temps dans son apologie de la technique
enthousiasme: de composition de Bach (1738), trouvant
30des formulations qui, aujourd’hui encore, de nombreuses écoutes, l’auditeur peut
offrent des informations essentielles sur les difficilement saisir toutes les dimensions de la
conceptions esthétiques et philosophiques richesse musicale des compositions de Bach;
ayant déterminé le travail créateur de Bach: néanmoins, les innombrables ramifications
Il est aussi certain que les voix dans les et détails contrapuntiques qui constituent
œuvres de ce grand maître de la musique chaque mouvement individuel s’unissent pour
sont merveilleusement entrelacées, mais former une impression générale intelligible.
sans produire la moindre confusion.
Elles se déplacent ensembles ou l’une J.S. Bach: Partita IV
contre l’autre, partout où cela est La Partita IV (BWV 828) fut d’abord
nécessaire. Elles se quittent, et cependant publiée par Bach de manière privée à Leipzig
toutes se retrouvent au bon moment. en 1728. Il a choisi de débuter l’œuvre
Chacune des voix se distingue des autres avec une Ouverture à la française, dont il
par une variation particulière, tandis reproduit exactement les caractéristiques:
qu’à d’autres moments elles s’imitent le mouvement s’ouvre par une section lente
l’une l’autre. Elles fuient et de nouveau et ostentatoire avec des rythmes pointés et
se poursuivent, et dans leur effort pour des gammes rapides, tandis que des accords
se surpasser nous ne remarquons jamais pleins suggèrent la sonorité d’un grand
aucune irrégularité. Quand tout ceci est orchestre. Cette introduction festive est
exécuté comme il se doit, il n’y a rien de suivie d’une longue fugue concertato, dans
plus beau que cette harmonie. laquelle Bach fait alterner avec habileté
Selon Birnbaum, l’élaboration minutieuse des expositions thématiques richement
d’une œuvre contrapuntique servait tissées et des interludes mélodieux. Dans
donc à corriger les imperfections de la une véritable ouverture orchestrale, ces
nature; en conséquence, la complexité des interludes seraient les épisodes en trio, joués
enchevêtrements artistiques présentée à par trois bois concertato (deux hautbois et
l’auditeur était ce qui détermine le degré de un basson). L’Allemande qui suit représente
beauté d’une pièce. Ce concept de perfection une danse fermement établie dans le
est également observable dans les œuvres répertoire pour clavier depuis le milieu du
enregistrées sur ce disque. Même après dix-septième siècle. Toutefois, l’Allemande
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