MANMADE WINDLESS EVERY LITTLE STEP A DAY IN THE SPARROW'S LIFE - MARIUS NESET - MARIUS NESET - Chandos Records
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SUPER AUDIO CD MARIUS NESET MANMADE WINDLESS EVERY LITTLE STEP A DAY IN THE SPARROW’S LIFE MARIUS NESET saxophones BERGEN PHILHARMONIC ORCHESTRA EDWARD GARDNER
Nina Djærff
Marius NesetMarius Neset (b. 1985)
première recording
MANMADE (2019)* 28:41
Concerto for Saxophone and Symphony Orchestra
1 1 Creation. = 105 – = 200 –
= 200 – = 80 – 4:27
2 2 Edison. = 155 – 4:23
3 3 Apollo. = 90 – Cadenza – = 100 – 7:56
4 4 Nobel. = 200 – Dotted crotchet = 120 – = 80 –
= 80 – Cadenza – 4:46
5 5 A New Creation. = 105 – = 50 – = 100 7:07
première recording
6 Windless (2017)† 11:04
for Saxophone and Orchestra
= 82 – = 76 – = 82 –
= 85 – = 65 – = 82
3première recording Every Little Step (2020 – 21) 17:47 for Orchestra 7 1 Recognize. = 100 – = 70 – Più mosso = 75 – 4:55 8 2 Motion. [ ] – = 160 – = 128 – = 120 – = 160 – = 128 – = 120 – A tempo = 70 – = 50 – 8:12 9 3 Higher and Higher. = 195 4:39 première recording of orchestral version 10 A Day in the Sparrow’s Life (2016 – 17)‡ 7:53 for Saxophone and Orchestra = 95 – Free improvisation = 103 – = 50 – = 95 TT 65:36 Marius Neset soprano saxophone*‡ • tenor saxophone*†‡ Bergen Philharmonic Orchestra Melina Mandozzi leader Edward Gardner 4
Marius Neset:
‘MANMADE’ and Other Works
Reflections on (and around) the Symphonic jazz’ – a concept now more than a century
Music of Marius Neset old – has had such a chequered and often
In 1943, Duke Ellington – widely considered, controversial history. In the first quarter of
both then and now, to be one of the greatest the twentieth century, European composers
and most distinctive composers working in a (among them Debussy, Stravinsky, and
jazz idiom – declared that he would no longer Milhaud) were the first to appropriate ragtime
be using the term ‘jazz’ because it was too and jazz elements in their compositions,
limiting. Significantly, this was the year in as something exotic which overtly rebelled
which his band first performed in New York’s against the Germanic influences that
prestigious Carnegie Hall, that temple-like continued to dominate post-romantic
bastion of the classical-music world, where musical aesthetics. In the 1920s, American
they gave the première of a substantial composers followed suit by absorbing jazz
new work, Black, Brown and Beige, largely influences in a more nationalistic spirit:
pre-composed rather than improvised, Gershwin approached the task from a Tin
and lasting a little under an hour. Instead Pan Alley background, and was inevitably
of being celebrated as an extraordinary criticised for demonstrating an allegedly
creative achievement, the piece instantly fell weak compositional technique, whereas
uncomfortably between two critical stools: Copland briefly explored jazz elements in
elitist classical musicians thought it was such a modernistically dissonant way that
intellectually pretentious, while jazz critics some critics felt he was deliberately mocking
dismissed it because it simply was not jazzy the country’s treasured vernacular music
enough. rather than celebrating it. Copland soon
As much of the music by Marius Neset dropped symphonic jazz like a hot potato,
(b. 1985) on the present disc also straddles, and it was not until the late 1940s that his
with an astonishing deftness, the worlds of protégé Bernstein continued to develop the
jazz and contemporary classical music, it is hybrid style from more or less exactly the
worth considering why so-called ‘symphonic point where his mentor had abandoned it. In
5doing this he was clearly spurred on by the music, as it was Schuller who – unlike the
example of Stravinsky’s characteristically earlier exponents of symphonic jazz – was
eccentric Ebony Concerto, written for Woody first bold enough to bring jazz improvisation
Herman’s big band in 1945. into the stylistic mix. Russell’s All about
In 1947, Bernstein joined in a spirited Rosie (1957), for example, was for the most
debate with Gene Krupa, the flamboyant part pre-composed with a Stravinsky-like
swing drummer, which was published precision, but included space for a long
in Esquire magazine under the title ‘Has improvised solo by the acclaimed jazz pianist
Jazz Influenced the Symphony?’ The jazz Bill Evans. But a work such as Schuller’s own
musician on this occasion proved to be far Concertino for Jazz Quartet and Orchestra
more negative about the idea of stylistic (1959), written for the Modern Jazz Quartet,
crossovers than the classical musician. exemplified an ongoing and seemingly
This disconcerting trend was again vividly intractable problem which arose from the
illustrated in negative reactions to the Third all-too-tempting option of combining jazz and
Stream initiative spearheaded by Gunther classical performers (and their associated
Schuller in the late 1950s. Schuller had styles) by simply having jazz musicians play
designated his fresh and innovative attempts concerto-like pieces against an orchestral
to meld jazz and classical music as a third backdrop. The major difficulty here was
‘stream’ so that composers at home in the that, until relatively recent times, classically
two existing (and evidently hard-to-please) trained musicians had no idea how to
streams could still carry along on their swing. When John Dankworth co-composed
individual paths unsullied by any cross- Improvisations for Jazz Band and Symphony
fertilisation, should they choose to do so; but Orchestra with Mátyás Seiber and recorded it
he was disheartened to find that some jazz with the London Philharmonic Orchestra (also
musicians once more continued to guard in 1959), this disparity was painfully obvious –
‘their’ music with territorial zeal. and even alluded to in a footnote in the
The pioneering work which Schuller score. Rolf Liebermann largely sidestepped
undertook with receptive jazz composers the issue altogether in his Concerto for Jazz
who were sympathetic to his cause, such Band and Symphony Orchestra (1954) by
as Charles Mingus and George Russell, is using a sectionalised structure in which the
particularly relevant to Neset’s orchestral band and orchestra were heard mostly in
6alternation rather than simultaneously. Both when venturing into more virtuosic territory:
these works also attempted, not entirely a distinctive feature of the scoring, for
successfully, to combine esoteric twelve- example, is the occasional doubling of
note serial techniques with blues-based jazz melodic material by both saxophone and
styles. violins. There is no need for the orchestra
A further potential problem in the specific to swing, as the music is dominated by the
case of saxophone concertos has been the so-called ‘straight eighths’, i.e. unswung
fact that the instrument is so immediately quavers, which have been common in
associated with jazz rather than the classical various styles of jazz since the 1960s –
concert music for which it was originally especially those influenced by rock music
invented, and its ‘jazzy’ sound (thanks largely and / or minimalism. The solo saxophone
to decades of stereotyping in blues-tinged part is largely notated in full, but there
movie soundtracks) has regrettably acquired are passages involving no fewer than five
insalubrious and now virtually indelible different types of improvisation: (1) relatively
extra-musical associations that might still be brief cadenzas; (2) open-ended improvising
felt by some to sit oddly against a backdrop in which the performer is left completely
of dignified, tuxedo-clad orchestral players. to his or her own devices, as in the third
John Adams, whose post-minimalist style movement; (3) improvisation based on a
is one of the many influences apparent in pre-set chord sequence, which in some
Neset’s eclectic music, seemingly referred instances contradicts the harmonies in the
to this phenomenon when noting that his orchestra; (4) brief passages in which the
own Saxophone Concerto (2013) was not rhythmic patterns are specified, but not the
intended ‘to sound jazzy per se, [but] its jazz pitches; and (5) what the score describes
influences lie only slightly below the surface’. as ‘playing freely over melody and chords’,
The concerto-format challenge has as in the finale, in which some indications of
been magnificently met headlong by Neset melodic shapes are given to the performer.
in MANMADE, premièred by the present Taken together, it can be seen that these
performers in Bergen on 5 March 2020 to a approaches embrace ideas from classical
standing ovation. Neset frequently absorbs music (improvised cadenzas in a concerto
the solo part into the broader orchestral format), mainstream jazz (extemporising
fabric, from which it can naturally emerge over cyclic chord sequences), and the
7more radical ways of improvising which, Every Little Step affords the listener a
since the various Free Jazz initiatives of the fascinating insight into Neset’s resourceful
1960s, have co-existed in both the jazz and handling of a standard symphony orchestra
classical worlds as one of the most obvious in the absence of both a solo saxophone
areas in which the two musics finally found and the instrument’s concomitant jazz
incontrovertible common ground. associations. Within just the first two
MANMADE lies chronologically between minutes, we are taken emotionally from a
the other works on this disc: both Windless tentatively suggestive to a warmly romantic
and A Day in the Sparrow’s Life received their mood; as in Windless, the harmonic idiom is
premières in September 2017, while Every so flexible that the music can at any moment
Little Step was first performed in April 2021. transition seamlessly from dissonant to
Across the whole set, there is considerable modal or tonal palettes. The composer’s
stylistic variety. Windless, for example, Nordic symphonic heritage is evident in
presents a relatively simple structure, places, the occasional echoes of Sibelius
articulated by an immediately recognisable and Nielsen in the first movement supplanted
refrain (cast in a bleakly atmospheric Locrian in the second by a manic propulsiveness,
modality based on F sharp), as well as while march and circus-like elements are
several similarly recognisable recurrences prevalent both here and in the finale; yet,
of a lyrical minor-key theme. The pervasive as the composer points out in his own
off-beat pizzicato accompaniment in the notes on the piece, there are also (in the
strings is reminiscent of Fauré’s poignant second movement) autobiographically
Pavane (1887), which is also in F sharp minor. significant allusions to themes by The
An improvised saxophone solo adopts the Beatles embedded in this rich stylistic mix.
conventional chord-based approach and The concluding waltz-scherzo is frequently
is more obviously in a recognisable jazz bitonal and polytonal, its virtuosic and often
idiom than any of the solo passages in the fragmentary orchestral rhetoric bound
concerto; the orchestration is simpler, too, together by an inexorable and irresistible
prominent doublings of the solo part by rhythmic drive. Throughout the work, the
piano or flute reflecting the instrumentation ubiquitous metrical subtleties are a reminder
of the small combo for which the music was that Neset as a child found his first outlet for
originally conceived. creative musical expression in experimenting
8with drums, on which he could master to his native town of Bergen – which was,
complex metres from an early age. of course, also the home town of Norway’s
The origin of A Day in the Sparrow’s Life most illustrious classical composer, Edvard
as (in the composer’s words) ‘a piece in Grieg. It has long been a centre of world-
which I, alone, was both the soloist and the leading jazz, too, its annual Nattjazz Festival
accompanist’ suggests the influence of the (founded in 1972) one of the major highlights
late Michael Brecker, who with similar energy of the international jazz calendar. (Nattjazz
managed to convey the impression that his honoured Neset with its Talent Award in
saxophone was somehow simultaneously 2004.) But just over a decade before the
playing a bass line and inner accompanying festival was launched, the worlds of classical
patterns as well as a higher-register melody. music and jazz collided headlong in Norway
In the fully scored realisation of the piece, in an unseemly display of partisanship
witty march-like chirpings in the orchestra and apparently irreconcilable artistic and
perfectly suggest the little bird’s joie de vivre, cultural differences. In 1960, Ellington and his
and the comedic rhetoric at times steers the co-composer Billy Strayhorn recorded their
music towards surreal and almost cartoon-like inventive big-band reworkings of music from
territory reminiscent of the idiosyncratically Grieg’s famous music to Ibsen’s play Peer
brilliant music of Neset’s early mentor, Django Gynt, saying in their sleeve notes that they
Bates. Bates’s breakthrough orchestral album, hoped they had shown ‘a mixture of respect
with the London Sinfonietta, Good Evening... and innovation’ in tackling this much-loved
Here Is the News (Argo, 1996), deserves to be source material. To their horror, the recording
singled out here as a vitally important model was promptly banned in Norway by the Grieg
for how outdated notions of symphonic jazz Foundation. This action was ostensibly taken
could be replaced by a heady, sophisticated, because copyright in the music of Grieg (then
and often high-octane stylistic mix of far still in force in his native country but not
greater relevance to a younger generation elsewhere in the world) had been infringed –
of listeners accustomed to fast-paced and but also undoubtedly because jazzing up
culturally diverse contemporary life. such nationally revered music had (as the
There is a wonderful irony inherent in the Foundation’s own wording put it) ‘damaged the
fact that Neset has brought his own distinctive author’s reputation’. Debate about the cultural
brand of symphonic jazz so squarely back and artistic implications of this decision raged
9on Norwegian state television and radio, and his African-American musicians in
while Norwegian jazz fans stole furtively their infamous recording, the music is
across the border to listen to the album in (perhaps not coincidentally) given an exotic
Sweden. A satirical cartoon in a Norwegian ‘otherness’ with the help of throbbing
newspaper showed two hip young trolls percussion and sultry low reeds. The title of
gleefully bopping to the strains of the illicit LP Neset’s Morning Mist (which Neset recorded
while an elderly troll turned his back on them on the solo ACT album A New Dawn in 2021,
in disgust, desperately covering up his ears. made during a time of pandemic-related
Visiting Bergen for himself in 1969 while on lockdown) suggests, with equal immediacy,
a European tour with his band, Ellington told an impressionistic miniature by Grieg; but
the local press that he would never perform this is belied by the fact that the music took
the piece again because all the fun had gone its inspiration from a motif in a cello concerto
out of it and he had been made to look like by the avant-garde Polish composer Witold
a fool. Lutosławski. Both these are telling illustrations
Towards the end of Neset’s MANMADE, of the multi-layered cultural complexities
there is a beautifully judged allusion to the involved in contemporary meldings of jazz
opening six notes of the famous ‘Morning and classical music, which these days
Mood’ movement in Grieg’s Peer Gynt, the (thankfully!) are widely celebrated – and which
melodic fragment passed between the two are so strikingly articulated by Neset in the
oboists in a rhythmic pattern that subtly breathtakingly inventive symphonic music
subverts the metre prevailing in the rest recorded here.
of the orchestra. For most listeners, this
© 2022 Mervyn Cooke
familiar melody – here a clearly audible act
of homage to Bergen and its most famous
musical son – immediately conjures up A note by the composer
images of picture-postcard Norwegian MANMADE
landscapes with stunning fjords. Few, MANMADE is a concerto for saxophone and
however, will be aware that ‘Morning Mood’ symphony orchestra in which the form and
was in fact originally intended to suggest the the structure are inspired by the climate
breaking of day over an African wasteland change which our times are experiencing.
in Ibsen’s play. As rearranged by Ellington The work is divided into five movements
10which concern themselves with man-made the music forward in luminous fifths. The
historical innovations that have contributed interplay between saxophone and violin is
to the development of society, but that in based on improvised lines across a kind of
many ways have also brought us step by two-octave blues scale, and this eventually
step to the great global challenges facing the leads the music into a circus-like atmosphere
world today. that comes to a chaotic end.
The music has its origins in phrases The third movement (‘Apollo’) is based
from improvised pieces and solos that I on a rhythmic motif in 9 / 8, which develops
have created over the years. These have through a constant process of variation.
been experimented with, picked apart, Often the semiquavers turn into triplets,
transformed, and put into a larger context. creating a feeling that the music is about
This has both reinforced the original to fall apart, though it does not quite.
expression and helped to give the same Harmonically, the movement is inspired in
phrases a new meaning. part by a sequence of chords in Beethoven’s
In the first part of the first movement Ninth Symphony and in part by Charles
(‘Creation’), the strings are responsible for the Ives’s The Unanswered Question, in which
rhythmic development in the music, shifting the almost naive theme, resembling a
back and forth in a kind of restless existence; Christmas hymn, is confronted with an
the rest of the orchestra slides gently into utterly atonal universe. Here, these musical
and out of the soundscape until the tenor forces gradually ‘destroy’ the music until it is
saxophone presents the main theme of completely unrecognisable.
the work, a rhythmic motif in 15 / 4, which In the fourth movement (‘Nobel’) the ‘main
comes in three different forms so that the theme’ is heard again, this time accompanied
rhythm repeats itself only after three bars. by a majestic snare drum. The woodwind
The theme is presented in a kind of modal continue the music, their bird-like ostinati
cycle, alternating between the Ionian and based on the same two-octave blues scale
Mixolydian scales. that was introduced in Part 2. This eventually
In the second movement (‘Edison’), the drives the music to an explosion and a theme
music becomes even brighter. The rhythmic based on the same rhythmic motif as the
concept of the main theme reappears, varied ‘main theme’, but this time it is transformed
in new ways, an insistent violin carrying to fit a groove of 6 / 8 instead of 15 / 4.
11The fifth and final movement (‘A New trigger great and intoxicating emotions
Creation’) is based on a melancholy theme that and reduce everything else in this world to
derives from an improvised saxophone solo in insignificance.
wide intervals of fifths and sixths. The theme is Every Little Step was composed during
in minor mode and often transposed by minor a period when we all had to maintain a
thirds, which leads to the grand finale: large, distance, and spend much time by ourselves.
clean chords in the brass, at the same time It was also a period when we had to stand
as the rhythm in the strings falls increasingly together in making all the small but crucial
apart. Everything comes together in the last changes that would get us to the finish
chord, which however never resolves; thus line. To me, it also offered the possibility
MANMADE ends with a big question mark. of spending a lot of time with my newborn
daughter and following her development from
Windless day to day.
Windless is a piece that I originally composed Rhythmically, the first movement
for flute, string quartet, and piano. I had (‘Recognize’) is based largely on subdivisions
always had a dream of playing it myself into quintuplets. In the first part we hear
with an orchestra. It is a quiet piece, and the a slow melody in the strings and, later,
introduction is in the Locrian mode based on the horns, which is rhythmically based
F sharp. After a while, the mood changes, and on five against four, a cross rhythm that
there emerges a melancholy theme in E minor. modulates to become five against three.
The piece returns to the Locrian mode, this After the melody has been introduced,
time on C sharp, and builds to an orchestral the harp assumes the driving force in the
climax in G major. There follows an improvised music, pulling it forward with a constant
saxophone solo, accompanied by pizzicato figure based on quintuplets that sometimes
strings. After the melancholy theme has been is varied by quavers. There is a searching
reintroduced, the piece turns ever softer and atmosphere, and the tonal landscape is often
gentler, until it finally fades away into silence, cast in the Phrygian mode. Occasionally, the
so that all you can hear are faint gusts of wind... music resolves harmonically, before returning
to the searching Phrygian mode, arriving
Every Little Step home at last to a recognisable pure F major
The gaze of recognition in a little infant can chord.
12Like the first, the second movement which the horns form the main instrumental
(‘Motion’) is largely based on quintuplets. element in the music, until a solitary trumpet
It starts with a duet for snare drum and takes over. The mood continues to rise, the
bass drum, which together create motion harmonies get cleaner and purer, and the
with a figure in quavers that constantly music gets happier and happier. The listener
modulates between five against four and can alternate between hearing it in 12 / 8 and
five against three, as well as pure quavers, 3 / 4. After a while, this feeling of happiness
until it settles into a steady tempo, that dissolves, and once more the music
culminates in overwhelming chaos. After culminates in a state of overwhelming chaos.
a while the violins and violas emerge alone Every Little Step is the story of all the small
with a figure in quavers that modulates struggles, the small steps, which together
rhythmically to become quintuplets, on which make a difference in our lives, and of the
the entire next section is again based. This steps that become so incredibly crucial for us
section is particularly inspired by several of as members of the human community.
George Martin’s magical arrangements on
the legendary albums Revolver, Sgt Pepper’s A Day in the Sparrow’s Life
Lonely Hearts Club Band, and Magical Mystery I composed A Day in the Sparrow’s Life on a
Tour of The Beatles. The attentive listener will spring day a few years ago. After having sat
also be able to pick out some brief quotations, and stared out the window at a sparrow for
which I offer as a tribute to those albums. a period, I began to wonder what a day in
The ideas came to me during a period when, the life of that sparrow might be like, and I
together with my daughter, I was listening a thought I would play a little song for the bird.
lot to these records, and they became to me, I picked out the saxophone and improvised
unknowingly, a source of inspiration to what a melody, basically as a solo piece. Using
I was composing. After a long and intense large intervals, I was able to write a piece in
episode, the music calms down, and returns which I, alone, was both the soloist and the
to the first theme of the opening movement, accompanist. I came to feel that the theme
now in a different guise. had so much potential in it that I wanted to
The last movement (‘Higher and Higher’) amplify its mood by incorporating parts for
begins with a circus-like waltz, which a string quartet. The process of doing that
gradually develops into a march in 12 / 8, in gave me even more ideas for expanding the
13instrumentation, and so it continued until I Festival, Blues Alley Jazz Club, Kongsberg
had arranged it for a full symphony orchestra. Jazz Festival, Pori Jazz Festival, Wigmore
Hall, and London Jazz Festival. His large
© 2022 Marius Neset
discography includes nearly a dozen solo
albums, and he is increasingly in demand as a
Born in Bergen in 1985, the Norwegian composer of works for the concert hall; these
saxophonist and composer Marius Neset range over a wide spectrum of performing
studied at Berklee College of Music, in Boston, forces, many featuring the saxophone in
during the summer of 2002 before enrolling a soloistic function. He has appeared at
at the Rhythmic Music Conservatory, in the Kölner Philharmonie, Elbphilharmonie
Copenhagen, from which he received an Hamburg, Berliner Philharmonie, LSO St Luke’s,
Advanced Postgraduate Diploma in Music in and Queen Elizabeth Hall, and performed
2010. He has earned countless nominations with Oslo Sinfonietta, Philharmonisches
and awards for his performances and Staatsorchester Hamburg, Borusan Istanbul
recordings, including Spellemannprisen, Philharmonic Orchestra, Staatsorchester
in Norway, for the album Lion in 2014, and Rheinische Philharmonie, Royal Stockholm
an ECHO award, in Germany, for the album Philharmonic Orchestra, London Sinfonietta,
Snowmelt in 2017. He has performed with Bayerische Kammerphilharmonie, Tapiola
jazz musicians all over the world, including Sinfonietta, Orchestre national de Belgique,
Django Bates and his bands StoRMChaser and Basel Sinfonietta, Norwegian Radio Orchestra,
Human Chain, JazzKamikaze, Trondheim Jazz Stavanger Symphony Orchestra, and, most
Orchestra, E.S.T. Symphony, Latvia Radio Big notably, Bergen Philharmonic Orchestra under
Band, Danish Radio Big Band, Arild Andersen, Edward Gardner. Marius Neset has also worked
Marcus Miller, Chick Corea, Ivo Neame, Jim Hart, with classical musicians such as Andreas
Petter Eldh, Lionel Loueke, and Anton Eger, as Brantelid, Ingrid Neset, Leif Ove Andsnes,
well as his own band, often presenting his own Michala Petri, Ole Edvard Antonsen, Louisa
works. He has appeared at prestigious venues Tuck, and the Vertavo String Quartet.
such as the Molde International Jazz Festival, www.mariusneset.info
North Sea Jazz Festival, Ronnie Scott’s Jazz
Club, Bergen International Festival, Vossajazz, One of the world’s oldest orchestras, the
Montreal Jazz Festival, San Francisco Jazz Bergen Philharmonic Orchestra dates
14back to 1765 and celebrated its 250th Turangalîla-Symphonie, ballets by Stravinsky,
anniversary in 2015. Edvard Grieg had a close the symphonies, ballet suites, and concertos
relationship with the Orchestra, serving by Prokofiev, and the complete orchestral
as its artistic director during the years music of Edvard Grieg. Enjoying long-standing
1880 – 82. Numbering one-hundred-and-one artistic partnerships with some of the finest
musicians, the Orchestra has achieved the musicians in the world, the Orchestra has
status of a Norwegian National Orchestra. recorded with Leif Ove Andsnes, Jean-Efflam
Edward Gardner has been Chief Conductor Bavouzet, James Ehnes, Gerald Finley, Alban
since 2015 and has taken the Orchestra on Gerhardt, Vadim Gluzman, Stephen Hough,
multiple international tours. These have Sara Jakubiak, Freddy Kempf, Truls Mørk,
included appearances at the Concertgebouw, Steven Osborne, Lawrence Power, and Stuart
Amsterdam, Edinburgh International Skelton, among others.
Festival, Southbank Centre, and BBC Proms. The Orchestra has recorded Tchaikovsky’s
Previous international tours have included ballets and critically acclaimed series
performances at the Wiener Musikverein and of works by Johan Halvorsen and Johan
Konzerthaus, Carnegie Hall, New York, and Svendsen with Neeme Järvi, orchestral works
Berliner Philharmonie. by Rimsky-Korsakov with Dmitri Kitayenko,
In 2015 the Orchestra established its free and music by Berlioz, Delius, Elgar, Sibelius,
streaming platform, Bergenphilive, which and Vaughan Williams with Sir Andrew Davis.
offers a fine selection of live streams and The first collaboration on disc between
works performed by the Orchestra and a Edward Gardner and the Orchestra was
range of conductors and soloists. A youth a recording of orchestral realisations by
symphony orchestra, Bergen Philharmonic Luciano Berio. A critically acclaimed series
Youth Orchestra, was also established in devoted to orchestral works by Janáček,
2015, which gives four to six concerts per including a Grammy-nominated recording
year. of his Glagolitic Mass, has been completed,
The Orchestra has an active recording and Schoenberg’s Gurre-Lieder was released
schedule, at the moment releasing four CDs in 2016. 2017 saw the release of a CD of
every year. Critics worldwide applaud its orchestral songs by Sibelius, with Gerald
energetic playing style and full-bodied string Finley as soloist, and a disc of orchestral
sound. Recording projects include Messiaen’s works by Bartók, including the Concerto for
15Orchestra. Recordings of the Piano Concerto he made his début with the New York
and incidental music from Peer Gynt by Grieg Philharmonic, Chicago Symphony Orchestra,
as well as the Grande Messe des morts by Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, and
Berlioz appeared in 2018. The latest releases by Wiener Symphoniker, as well as at The Royal
the Bergen Philharmonic Orchestra have been Opera, Covent Garden in a new production of
recordings of Bartók’s Bluebeard’s Castle with Kát’a Kabanová, praised by The Guardian as
John Relyea and Michelle DeYoung, Brahms’s a ‘magnificent interpretation’. He returned
Symphonies Nos 1 and 3, Schoenberg’s to the Gewandhausorchester Leipzig,
Pelleas und Melisande and Erwartung with Philharmonia Orchestra, and Orchestra del
Sara Jakubiak, Britten’s Peter Grimes with, Teatro alla Scala di Milano. In April 2019,
among others, Stuart Skelton and Erin Wall, he conducted the London Philharmonic
tone poems, including Luonnotar, and other Orchestra at the Lincoln Center in New York.
works by Sibelius with Lise Davidsen, and During the 2019 / 20 season he conducted
orchestral songs by Britten and Canteloube a revival of Werther at The Royal Opera
with Mari Eriksmoen. The Orchestra received and returned to The Metropolitan Opera for
a nomination for Orchestra of the Year at the performances of La Damnation de Faust. In
Gramophone Awards 2020. London he conducted four concerts with the
www.harmonien.no / www.bergenphilive.no London Philharmonic Orchestra and brought
the Bergen Philharmonic Orchestra to the
Chief Conductor of the Bergen Philharmonic Royal Festival Hall with their acclaimed Peter
Orchestra since October 2015, Edward Grimes. As guest conductor, he appeared
Gardner OBE has led the musicians on with the Philadelphia Orchestra, Montreal
multiple international tours, which have Symphony Orchestra, and Finnish Radio
included performances in Berlin, Munich, Symphony Orchestra, and was due to work
and Amsterdam, and at the BBC Proms and with the San Francisco Symphony and
Edinburgh International Festival. He was Deutsches Symphonie-Orchester Berlin when
recently appointed Principal Conductor the COVID-19 crisis struck. He will continue
Designate of the London Philharmonic his longstanding collaboration with the City
Orchestra, his tenure commencing in of Birmingham Symphony Orchestra, of which
September 2021. In demand as a guest he was Principal Guest Conductor from 2010
conductor, during the previous two seasons to 2016, and BBC Symphony Orchestra, whom
16he has conducted at both the First and the Orchestra have explored music by Bartók,
Last Night of the BBC Proms. Berio, Berlioz, Brahms, Britten, Canteloube,
Music Director of English National Opera Grieg, Janáček, Schoenberg, and Sibelius.
for ten years (2006 – 15), Edward Gardner has With the BBC Symphony Orchestra he has
an ongoing relationship with The Metropolitan focused on Elgar and Walton and released
Opera, New York, where he has conducted acclaimed discs of works by Lutosławski and
productions of Carmen, Don Giovanni, Szymanowski. With the City of Birmingham
Der Rosenkavalier, and Werther. He has Symphony Orchestra he has recorded
also conducted at Teatro alla Scala, Milan, numerous works by Mendelssohn, including
Lyric Opera of Chicago, Glyndebourne the symphonies and overtures.
Festival Opera, and Opéra national de Paris. Born in Gloucester in 1974, he was
A passionate supporter of young talent, he educated at Cambridge and the Royal
founded the Hallé Youth Orchestra in 2002 Academy of Music. He went on to become
and regularly conducts the National Youth Assistant Conductor of The Hallé and Music
Orchestra of Great Britain. He has a close Director of Glyndebourne Touring Opera.
relationship with The Juilliard School, and Among many accolades, Edward Gardner was
with the Royal Academy of Music which named Conductor of the Year by the Royal
appointed him its inaugural Sir Charles Philharmonic Society in 2008, won an Olivier
Mackerras Conducting Chair in 2014. He is an Award for Outstanding Achievement in Opera
exclusive Chandos artist, whose recording in 2009, and received an OBE for Services to
projects with the Bergen Philharmonic Music in the Queen’s Birthday Honours in 2012.
17Nina Djærff Marius Neset
Marius Neset:
“MANMADE” und andere Werke
Überlegungen zur sinfonischen Musik von überspannt, lohnt es sich zu überlegen,
Marius Neset warum der sogenannte “sinfonische
1943 sagte sich Duke Ellington – für viele Jazz” (ein Konzept, das inzwischen
einer der zeitlos größten, unverwechselbaren über ein Jahrhundert alt ist) auf eine
Komponisten im Jazz-Idiom – von dem Begriff so wechselvolle und oft umstrittene
“Jazz” los, weil er sich davon eingeengt Geschichte zurückblickt. Im ersten Viertel
fühlte. Bezeichnenderweise war dies das des zwanzigsten Jahrhunderts waren
Jahr, in dem seine Band zum ersten Mal es zunächst europäische Komponisten
in der Carnegie Hall von New York auftrat, (darunter Debussy, Strawinsky und Milhaud),
jener prestigeträchtigen, tempelartigen die sich Ragtime- und Jazz-Elemente zu eigen
Bastion der klassischen Musik. Auf dem machten, um mit solcher Exotik offen gegen
Programm stand die Uraufführung eines die germanischen Einflüsse aufzutreten, die
gehaltvollen neuen Werks, Black, Brown weiterhin die postromantische Musikästhetik
and Beige, das nicht improvisiert, sondern dominierten. In den zwanziger Jahren
über seine Länge von knapp einer Stunde folgten amerikanische Komponisten mit
weitgehend vorkomponiert war. Statt als der Verarbeitung von Jazz-Einflüssen in
außergewöhnliche schöpferische Leistung eher nationalbewusstem Geist: Gershwin
gefeiert zu werden, fiel das Stück bei der kam mit seinem Ansatz aus der Tin Pan
Kritik augenblicklich und unbequem zwischen Alley und wurde unweigerlich für seine
zwei Stühle: Elitäre klassische Musiker hielten angeblich schwache Kompositionstechnik
es für intellektuell anmaßend, während Jazz- kritisiert, während Copland Jazz-Elemente
Kritiker es schlichtweg ablehnten, weil es vorübergehend so modernistisch dissonant
ihnen nicht jazzig genug war. erschloss, dass ihm manche Kritiker
Da ein Großteil der Musik von Marius vorwarfen, die verehrte Volksmusik des
Neset (*1985) auf der vorliegenden CD Landes bewusst zu verspotten anstatt sie
mit erstaunlicher Gewandtheit ebenfalls zu feiern. Copland ließ den sinfonischen Jazz
die Welten des Jazz und der Neuen Musik bald wie eine heiße Kartoffel fallen, und erst
19Ende der vierziger Jahre entwickelte sein zu seiner Enttäuschung stellte er jedoch fest, Mentee Bernstein den hybriden Stil mehr dass manche Jazz-Musiker wieder einmal oder weniger genau an der Stelle weiter, wo “ihre” Musik mit territorialem Eifer hüteten. sein Mentor ihn aufgegeben hatte. Dabei ließ Die Pionierarbeit, die Schuller mit er sich eindeutig von Strawinskys typisch aufgeschlossenen Jazz-Komponisten wie exzentrischem Ebony Concerto anspornen, Charles Mingus und George Russell leistete, das dieser 1945 für Woody Hermans Bigband ist für Nesets Orchestermusik besonders geschrieben hatte. relevant, da Schuller – anders als frühere 1947 führte Bernstein eine beherzte Vertreter des sinfonischen Jazz – tapfer Debatte mit dem unterhaltungsbewussten genug war, um Jazz-Improvisation als erster Swing-Schlagzeuger Gene Krupa, die in der in den stilistischen Mix einzubringen. So war Zeitschrift Esquire unter dem Titel “Hat Jazz zum Beispiel Russells All about Rosie (1957) die Sinfonie beeinflusst?” veröffentlicht größtenteils mit Strawinsky-artiger Präzision wurde. Der Jazz-Musiker reagierte bei vorkomponiert, ließ jedoch Platz für ein dieser Gelegenheit viel negativer auf die langes, improvisiertes Solo des gefeierten Idee stilistischer Überschneidungen als der Jazz-Pianisten Bill Evans. Aber ein Werk klassische Musiker. Dieser beunruhigende wie Schullers eigenes Concertino for Jazz Trend wurde in den feindseligen Reaktionen Quartet and Orchestra (1959) für das Modern auf die Ende der fünfziger Jahre von Gunther Jazz Quartet offenbarte ein anhaltendes Schuller vertretene Musikrichtung Third und allem Anschein nach unlösbares Stream erneut lebhaft veranschaulicht. Problem, das sich aus der allzu verlockenden Schuller hatte seine innovativen Versuche, Möglichkeit ergab, Jazz- und Klassik- Elemente des Jazz und der klassischen Musik Interpreten (und deren Ausdrucksweisen) miteinander zu verschmelzen, als dritte miteinander zu kombinieren, indem man “Strömung” bezeichnet, damit Komponisten, einfach konzertähnliche Stücke von die in den beiden bestehenden (und Jazz-Musikern vor einer Orchesterkulisse offenkundig schwer zufriedenzustellenden) spielen ließ. Die größte Schwierigkeit dabei Strömungen beheimatet waren, ihren war, dass klassisch geschulte Musiker persönlichen Weg unbefleckt von bis vor relativ kurzer Zeit keine praktische gegenseitiger Bereicherung fortsetzen Ahnung vom Swing hatten. Als John konnten, wenn sie dazu entschlossen waren; Dankworth gemeinsam mit Mátyás Seiber 20
Improvisations for Jazz Band and Symphony eklektischer Musik neben vielen anderen
Orchestra komponierte und mit dem London Einflüssen auftritt, schien das Phänomen
Philharmonic Orchestra einspielte (ebenfalls anzusprechen, als er erklärte, sein eigenes
1959), trat diese Diskrepanz schmerzlich Saxophone Concerto (2013) sollte nicht “per
zutage – und fand sogar in eine Fußnote se jazzig klingen, [aber] seine Jazz-Einflüsse
der Partitur. Rolf Liebermann ging in seinem liegen nicht weit unter der Oberfläche”.
Concerto for Jazz Band and Symphony Die Herausforderung im Konzertformat
Orchestra (1954) dem Thema weitgehend aus wurde von Neset in MANMADE großartig
dem Weg, indem er eine Sektionalstruktur gemeistert und bei der Uraufführung durch
wählte, in der Band und Orchester meist die auch hier spielenden Interpreten am
abwechselnd statt gleichzeitig zu hören 5. März 2020 in Bergen vom Publikum mit
waren. Beide Werke versuchten auch, einer stehenden Ovation gefeiert. Neset
nicht ganz erfolgreich, esoterische serielle absorbiert den Solopart häufig in das
Zwölftontechniken mit Blues-basierten breitere orchestrale Gewebe, aus dem er
Jazzstilen zu kombinieren. dann auf natürliche Weise auf virtuoseres
Ein weiteres potenzielles, spezifisch auf Terrain hervortreten kann; eine Besonderheit
Saxophonkonzerte bezogenes Problem liegt der Stimmführung ist beispielsweise die
in dem Umstand, dass das Instrument auf gelegentliche Verdopplung von melodischem
Anhieb mit dem Jazz assoziiert wird und Material durch Saxophon und Violinen. Das
nicht mit der klassischen Konzertmusik, Orchester braucht nicht zu swingen, da
für die es eigentlich erfunden wurde; die Musik von den sogenannten “geraden
sein “jazziger” Klang (vor allem der Achteln” (swingfreien Achtelnoten)
jahrzehntelangen Stereotypisierung in dominiert wird, die seit den sechziger
bluesigen Filmmusiken zu verdanken) Jahren in verschiedenen Stilrichtungen des
hat bedauerlicherweise ungesunde und Jazz häufig anzutreffen sind – vor allem
mittlerweile praktisch unauslöschliche auch unter dem Einfluss von Rockmusik
außermusikalische Assoziationen erlangt, und / oder Minimalismus. Der Solopart des
die mit dem Anblick würdevoller, schwarz Saxophons ist größtenteils vorkomponiert,
gekleideter Orchestermusiker schwer zu aber es gibt Passagen mit nicht weniger als
vereinbaren sein mögen. John Adams, fünf verschiedenen Improvisationsarten:
dessen postminimalistischer Stil in Nesets (1) relativ kurze Kadenzen; (2) offenes
21Improvisieren, bei dem der Interpret ganz Vielfalt. Windless zum Beispiel hat eine
sich selbst überlassen ist, wie im dritten relativ einfache Struktur, die durch einen
Satz; (3) Improvisation basierend auf sofort erkennbaren Refrain (in einem auf Fis
einer vorgegebenen Akkordfolge, die in basierenden, trostlos wirkenden lokrischen
einigen Fällen den Harmonien im Orchester Modus) sowie mehrere ähnlich erkennbare
widerspricht; (4) kurze Passagen, in denen Wiederholungen eines lyrischen Moll-
die rhythmischen Muster definiert sind, Themas artikuliert wird. Die durchdringende
nicht jedoch die Tonhöhen; und (5) was Off-Beat-Begleitung der Pizzicato-Streicher
die Partitur als “freies Spiel über Melodie erinnert an Faurés ergreifende Pavane
und Akkorden” beschreibt, wie im Finale, (1887), die ebenfalls in fis-Moll gesetzt ist.
wo dem Interpreten melodische Formen Ein improvisiertes Saxophonsolo übernimmt
angedeutet werden. Zusammenfassend den konventionellen akkordbasierten Ansatz
lässt sich feststellen, dass diese und steht deutlicher in einem erkennbaren
Ansätze Ideen der klassischen Musik Jazz-Idiom als die Solopassagen in MANMADE;
(improvisierte Kadenzen im Konzertformat), auch die Orchestrierung ist einfacher, mit
des Mainstream-Jazz (Extemporieren markanten Verdopplungen der Solostimme
über zyklischen Akkordfolgen) und der durch Klavier oder Flöte, und lässt die
radikaleren Improvisationsweisen umfassen, Instrumentierung der kleinen Combo ahnen,
die seit den verschiedenen Free-Jazz- für die diese Musik ursprünglich gedacht war.
Initiativen der sechziger Jahre schließlich Every Little Step bietet dem Hörer
in beiden musikalischen Welten als einer einen faszinierenden Einblick in Nesets
der nächstliegenden Bereiche für eine einfallsreichen Umgang mit einem
unbestreitbare Gemeinsamkeit koexistiert konventionellen Sinfonieorchester, in dem
haben. sowohl ein Solosaxophon als auch die damit
MANMADE liegt chronologisch zwischen verbundenen Jazz-Assoziationen fehlen.
den anderen Werken auf dieser CD: Sowohl Schon in den ersten zwei Minuten werden
Windless als auch A Day in the Sparrow’s Life wir emotional von einer versuchsweise
wurden im September 2017 uraufgeführt, suggestiven in eine warmherzig romantische
während Every Little Step erstmals im April Stimmung versetzt; ähnlich wie in Windless
2021 zu Gehör kam. Insgesamt bestechen ist das harmonische Idiom so flexibel, dass
die Werke durch beachtliche stilistische die Musik jederzeit nahtlos von dissonanten
22zu modalen oder tonalen Paletten übergehen ähnlicher Energie schaffte, den Eindruck zu
kann. Das nordisch-sinfonische Erbe des erwecken, dass sein Saxophon irgendwie
Komponisten macht sich stellenweise eine Basslinie und innere Begleitmuster
bemerkbar. Die gelegentlichen Anklänge sowie gleichzeitig eine höher gelegene
von Sibelius und Nielsen im ersten Satz Melodie spielte. In der voll instrumentierten
werden im zweiten durch eine manische Realisierung des Stückes suggeriert ein
Antriebskraft abgelöst, während sowohl hier witziges, marschartiges Gezwitscher im
als auch im Finale marsch- und zirkusartige Orchester perfekt die Lebensfreude des
Elemente vorherrschen; doch wie der kleinen Vogels, und die komödiantische
Komponist in seinen eigenen Anmerkungen Rhetorik steuert die Musik manchmal auf
zum Stück hervorhebt, sind in diese reiche ein surreales, fast cartoonartiges Gebiet zu,
stilistische Mischung auch (im zweiten Satz) das an die eigenwillig brillante Musik von
autobiographisch bedeutsame Anspielungen Nesets frühem Mentor Django Bates erinnert.
auf Beatles-Themen eingebettet. Das Dessen bahnbrechendes Orchesteralbum
abschließende Walzerscherzo ist häufig mit der London Sinfonietta, Good Evening ...
bitonal und polytonal, wobei seine virtuose Here Is the News (Argo, 1996), verdient es an
und oft fragmentarische Orchesterrhetorik dieser Stelle, als ungemein wichtiges Modell
durch einen unaufhaltsamen und hervorgehoben zu werden: So ließen sich
unwiderstehlichen rhythmischen Drang veraltete Vorstellungen von sinfonischem
verbunden wird. Durchweg erinnern die Jazz verdrängen, durch eine berauschende,
allgegenwärtigen metrischen Feinheiten raffinierte und oft hochoktanige stilistische
daran, dass Neset als Kind seinen ersten Mischung von weit größerer Relevanz für eine
kreativen musikalischen Ausdruck im jüngere Generation, die an das schnelllebige
Experimentieren mit dem Schlagzeug fand, und kulturell vielfältige Heute gewöhnt ist.
auf dem er von klein auf komplexe Metren zu Es liegt eine wunderbare Ironie in
beherrschen wusste. der Tatsache, dass Neset seine eigene
Der Ursprung von A Day in the Sparrow’s unverwechselbare Variante des sinfonischen
Life als (in den Worten des Komponisten) Jazz so offen in seinen Geburtsort Bergen
“ein Stück, in dem ich allein sowohl Solist zurückgebracht hat – wo natürlich auch
als auch Begleiter war”, deutet auf den Edvard Grieg, der berühmteste klassische
Einfluss von Michael Brecker hin, der es mit Komponist Norwegens, gelebt hatte.
23Bergen ist seit langem ein Zentrum des über die kulturellen und künstlerischen Weltklasse-Jazz und veranstaltet seit 1972 Auswirkungen dieser Entscheidung, während das jährliche Nattjazz Festival, das als sich norwegische Jazzfans heimlich über die einer der Höhepunkte im internationalen Grenze schlichen, um das Album in Schweden Jazzkalender gilt. (Nattjazz ehrte Neset zu hören. Eine Karikatur in einer norwegischen 2004 mit seinem Talent Award.) Aber kaum Zeitung zeigte zwei hippe junge Trolle, die mehr als ein Jahrzehnt bevor das Festival ins vergnügt zu den Klängen der illegalen LP Leben gerufen wurde, prallten die Welten der tanzten, während ein älterer Troll ihnen klassischen Musik und des Jazz in Norwegen angewidert den Rücken zukehrte und sich in einer unziemlichen Zurschaustellung von verzweifelt die Ohren zuhielt. Als Ellington dann Parteinahme und scheinbar unvereinbaren auf einer Europatournee mit seiner Band 1969 künstlerischen und kulturellen Differenzen persönlich nach Bergen kam, erklärte er der aufeinander. 1960 nahmen Ellington und lokalen Presse, dass er das Stück nie wieder sein Orchesterkomponist Billy Strayhorn aufführen würde, weil man ihn zum Narren ihre geistreichen Big-Band-Arrangements gehalten und den Spaß verdorben hätte. von Griegs berühmter Musik zu Ibsens Gegen Ende von Nesets MANMADE kommt Theaterstück Peer Gynt auf und drückten eine schöne Erinnerung an die ersten sechs im Covertext die Hoffnung aus, dass sie Noten des berühmten “Morgenstimmung”- in der Bearbeitung dieser beliebten Musik Satzes in Griegs Peer Gynt, wobei sich die “eine Mischung aus Respekt und Innovation” beiden Oboisten mit dem thematischen gezeigt hätten. Zu ihrem Entsetzen wurde die Fragment in einem rhythmischen Muster Aufnahme in Norwegen von der Grieg-Stiftung abwechseln, das die metrische Basis des umgehend verboten. Diese Maßnahme wurde übrigen Orchesters subtil zersetzt. Für die vordergründig ergriffen, weil das (damals meisten Hörer wird diese bekannte Melodie nur noch in seinem Heimatland wirksame) (hier eine deutlich hörbare Hommage Urheberrecht an der Schauspielmusik Griegs an Bergen und seinen berühmtesten verletzt worden war – aber zweifellos auch, musikalischen Sohn) sofort norwegische weil das Jazzen solch national verehrter Bilderbuchlandschaften mit atemberaubenden Musik “dem Ruf des Autors geschadet” habe Fjorden heraufbeschwören, während die (wie sich die Stiftung ausdrückte). Im Funk wenigsten wissen, dass “Morgenstimmung” und Fernsehen Norwegens tobte eine Debatte in Ibsens Schauspiel ursprünglich den 24
Tagesanbruch über einer afrikanischen und Struktur vom Klimawandel unserer
Einöde vermitteln sollte. So wie von Ellington Zeit inspiriert ist. Das Werk befasst sich in
und seinen afroamerikanischen Musikern in fünf Sätzen mit historischen Innovationen
ihrer berühmt-berüchtigten Aufnahme neu des Menschen, die zur Entwicklung der
arrangiert, wird der Musik (vielleicht nicht Gesellschaft beigetragen haben, uns aber in
zufällig) mit Hilfe von pochendem Schlagzeug vielerlei Hinsicht auch Schritt für Schritt zu
und schwülen, satten Holzbläsern eine den großen globalen Herausforderungen der
exotische “Fremdheit” verliehen. Der Titel Welt von heute geführt haben.
von Nesets Morning Mist (im Jahr 2021 von Die Musik hat ihren Ursprung in Phrasen
Neset auf dem Solo-ACT-Album A New Dawn aus improvisierten Stücken und Soli, die ich
inmitten des pandemiebedingten Lockdowns über die Jahre hinweg geschaffen habe und
eingespielt) deutet ebenso unmittelbar auf hier nun erprobt, dekonstruiert, transformiert
eine impressionistische Miniatur von Grieg hin; und in einen größeren Zusammenhang
tatsächlich jedoch wurde die Musik motivisch gestellt worden sind. Dies hat sowohl den
von einem Cellokonzert des polnischen ursprünglichen Ausdruck verstärkt als auch
Avantgarde-Komponisten Witold Lutosławski dazu beigetragen, denselben Phrasen eine
inspiriert. Beide Beispiele illustrieren die neue Bedeutung zu geben.
vielschichtige kulturelle Komplexität aktueller Im ersten Teil des ersten Satzes (“Creation”)
Verschmelzungen von Jazz und klassischer sind die Streicher für die rhythmische
Musik, die heutzutage (zum Glück!) weithin Entwicklung der Musik verantwortlich, die
gefeiert werden – und die Neset hier in seiner sich in einer Art rastlosen Daseins hin und her
atemberaubend einfallsreichen sinfonischen bewegt; der Rest des Orchesters gleitet sanft
Musik so eindrucksvoll artikuliert. durch die Klanglandschaft ein und aus, bis das
Tenorsaxophon das Hauptthema des Werkes
© 2022 Mervyn Cooke
präsentiert, ein rhythmisches Motiv in 15 / 4,
Übersetzung: Andreas Klatt
das in drei verschiedenen Formen erscheint,
sodass sich der Rhythmus erst nach drei
Anmerkungen des Komponisten Takten wiederholt. Das Thema wird in einer
MANMADE Art Modalzyklus präsentiert, der zwischen
MANMADE ist ein Konzert für Saxophon den ionischen und mixolydischen Tonleitern
und Sinfonieorchester, das in seiner Form wechselt.
25Im zweiten Satz (“Edison”) strahlt gleichen Zwei-Oktaven-Blues-Tonleiter, die
die Musik noch heller. Das rhythmische in Teil 2 eingeführt wurde. So treibt die Musik
Konzept des Hauptthemas erscheint wieder, schließlich auf eine Explosion und ein Thema
auf neue Weise variiert, während eine zu, das auf demselben rhythmischen Motiv
eindringliche Violine die Musik in leuchtenden wie das “Hauptthema” basiert, hier aber so
Quinten weiterträgt. Das Zusammenspiel umgewandelt wird, dass es in einen Groove
von Saxophon und Violine basiert auf von 6 / 8 statt 15 / 4 passt.
improvisierten Linien über eine Art Zwei- Der fünfte und letzte Satz (“A New
Oktaven-Blues-Tonleiter und führt die Musik Creation”) basiert auf einem melancholischen
schließlich in eine zirkusartige Atmosphäre, Thema, das aus einem improvisierten
die ein chaotisches Ende findet. Saxophonsolo in weiten Quinten- und
Der dritte Satz (“Apollo”) basiert auf Sextenintervallen stammt. Das Thema ist
einem rhythmischen Motiv in 9 / 8, das sich in Moll gehalten und oft um kleine Terzen
durch einen ständigen Variationsprozess transponiert, was zum großen Finale führt:
entwickelt. Oft werden die Sechzehntel zu Unter mächtigen, klaren Akkorden der
Triolen, was den Eindruck erweckt, dass die Blechbläser bricht der Rhythmus in den
Musik kurz vor dem Zerfall steht, obwohl Streichern zunehmend auseinander. Alles
es nicht ganz dazu kommt. Harmonisch kommt im letzten Akkord zusammen, ohne
ist der Satz teils von einer Akkordfolge aus sich jedoch aufzulösen, sodass MANMADE mit
Beethovens Neunter und teils von Charles einem großen Fragezeichen endet.
Ives’ The Unanswered Question inspiriert,
wobei das fast naive, einem Weihnachtslied Windless
ähnelnde Thema mit einem völlig atonalen Windless war ursprünglich eine Komposition
Universum konfrontiert wird. Hier “zerstören” für Flöte, Streichquartett und Klavier, aber
diese musikalischen Kräfte die Musik nach ich habe schon immer davon geträumt, es
und nach, bis sie völlig unkenntlich wird. selbst mit einem Orchester zu spielen. Es ist
Im vierten Satz (“Nobel”) erklingt erneut ein ruhiges Stück, und die Einleitung steht im
das “Hauptthema”, diesmal von einer lokrischen Modus auf Fis. Nach einer Weile
majestätischen kleinen Trommel begleitet. ändert sich die Stimmung, und es entsteht
Die Holzbläser setzen die Musik fort; ihre ein melancholisches Thema in e-Moll. Das
vogelähnlichen Ostinati basieren auf der Stück kehrt zum lokrischen Modus zurück,
26diesmal auf Cis, und steigert sich zu einem übernimmt die Harfe die treibende Kraft in
orchestralen Höhepunkt in G-Dur. Es folgt ein der Musik und zieht sie mit einer konstanten,
improvisiertes Saxophonsolo, begleitet von auf Quintoletten basierenden Figur, die
Pizzicato-Streichern. Nach der Rückkehr des manchmal durch Achtel variiert wird, vorwärts.
melancholischen Themas wird das Stück Es herrscht eine suchende Atmosphäre, und
immer weicher und sanfter, bis es schließlich die Klanglandschaft ist oft im phrygischen
verklingt, so dass nur noch leise Windstöße Modus gehalten. Gelegentlich löst sich die
zu vernehmen sind ... Musik harmonisch auf, bevor sie in den
suchenden phrygischen Modus zurückkehrt
Every Little Step und schließlich zu einem erkennbaren reinen
Der erkennende Blick eines kleinen Babys F-Dur-Akkord findet.
kann gewaltige, berauschende Emotionen Wie der erste basiert auch der zweite Satz
auslösen und alles andere auf dieser Welt (“Motion”) weitgehend auf Quintoletten. Er
bedeutungslos machen. beginnt mit einem Duett für kleine Trommel
Every Little Step entstand zu einer Zeit, und große Trommel. Gemeinsam erzeugen
als wir alle Abstand halten und viel Zeit allein sie darin mit einer Achtelfigur, die ständig
verbringen mussten. Es war auch eine Zeit, in zwischen 5 : 4 und 5 : 3 moduliert, sowie
der wir zusammenstehen mussten, um all die reinen Achteln Bewegung, bis sich schließlich
kleinen, aber entscheidenden Veränderungen ein konstantes Tempo einpendelt, das in
vorzunehmen, die uns ans Ziel bringen überwältigendem Chaos gipfelt. Nach einer
sollten. Mir bot dies auch die Möglichkeit, Weile erscheinen die Geigen und Bratschen
viel Zeit mit meiner neugeborenen Tochter allein mit einer Achtelfigur, die rhythmisch
zu verbringen und von Tag zu Tag ihre moduliert wird, bis sie sich in Quintoletten
Entwicklung zu verfolgen. verwandelt, auf denen wiederum der gesamte
Rhythmisch basiert der erste Satz nächste Abschnitt basiert. Dieser Abschnitt ist
(“Recognize”) weitgehend auf Unterteilungen besonders stark von einigen der magischen
in Quintolen. Im ersten Teil hören wir eine Arrangements inspiriert, die George Martin auf
langsame Melodie in den Streichern und den legendären Alben Revolver, Sgt. Pepper’s
später in den Hörnern, die rhythmisch auf Lonely Hearts Club Band und Magical Mystery
5 : 4 basiert, einem Kreuzrhythmus, der nach Tour für die Beatles schuf. Der aufmerksame
5 : 3 moduliert. Nach Einführung der Melodie Hörer wird auch einige kurze Zitate erkennen
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